Le prix “Métrange sonore” a été attribué à Le vivier de Sylvia Guillet. Dans une sorte de manoir bourgeois, une femme se cache. Elle ne répond pas aux visiteurs. Et pour cause, elle tient son mari captif dans une chambre à l’étage. Celui-ci est victime d’une curieuse maladie de la peau…

Joliment photographié, le film n’abat pas toutes ses cartes tout de suite. On pense d’abord à un élégant film d’auteur avant de progressivement découvrir des choses inquiétantes voire dégoûtantes. Servie par des effets spéciaux marquant l’esprit, la chute est monumentale et je ne la révélerai pas ici. Récit quelque peu kafkaïen, la réalisatrice a aussi confectionné une belle atmosphère nous rappelant les transformations de la chair, chères à David Cronenberg.

Dans un registre plus rigolo et aussi plus trash, Judas et Jésus est une petite perle d’animation qui a gagné le “Métrange Jury” . Sur le fond, il n’est pas très novateur. On nous dépeint une caricature des deux frères ennemis comme on les imagine : Jésus est sage et innocent. Il porte la bonne parole à ses prochains. Judas est une sorte de punk décadent, occupé à forniquer, fumer, et à faire le mal partout où il passe. Le scénario reprend parfois les concepts de La vie de Brian des Monty Python, pour le détournement du nouveau testament, ou La dernière tentation du Christ, de Scorcese, pour le discours autour de Marie Madeleine. Désirs et pulsions sexuels sont également un des thèmes principaux du film. Les auteurs semblent nous dire qu’ils ont été les piliers de la culture judéo-chrétienne !

Tout ceci serait un peu insipide si le concept du film n’était pas de faire de Jésus et Judas des espèces de chèvres ! Le tout devient très joli grâce des graphismes très sexy. Ca ressemble à du Tex Avery remixé sauce trash : des gags à la mitrailleuse, une esthétique dynamique et un goût communicatif pour le blasphème. Derrière ce court impertinent se cache bien sûr une critique de la société de consommation et de l’hypocrisie ambiante. Personne n’y est épargné. Ni Jésus, ni Judas.

Le film peut être acheté en dvd : http://www.judasandjesus.com/buydvd/

Labyrinth within, “métrange spécial du jury”, est un film où la danse remplace le dialogue. Le postulat de départ est simple et déjà vu : au bureau, un homme téléphone chez lui pour joindre sa femme. Elle ne répond pas car elle a une aventure avec son amant. Le mari le découvre, s’ensuit une dispute, une réconciliation éventuelle. Cette base sert en fait à Pontus Lidberg, chorégraphe suédois de renommée internationale, à exécuter un traitement original. Le décor d’abord : il s’agit d’un appartement à la décoration très sobre, dans lequel s’enchaînent plusieurs pièces. Dans une pièce, on trouve une porte secrète, qui mène vers une autre chambre, lieu du délit. Ce labyrinthe topologique fait écho à un labyrinthe plus psychologique qui nous est révélé lors de la chute.

Ensuite, le gros morceau du film concerne bien entendu la chorégraphie. Il n’y a pas de dialogue et tout passe par le langage du corps. Les danseurs parviennent à “jouer”, à traduire les sentiments et les émotions des personnages, à travers les mouvements et le corps, peut-être même mieux qu’avec la parole.

L’adultère étant le sujet, une chorégraphie complète est dédiée au désir, et à l’acte sexuel sans toutefois le montrer. Tout est dans la suggestion et la chorégraphie fait ressortir l’érotisme latent avec une intensité décuplée. La mise en scène participe également à la danse, grâce à des mouvements de caméra amples, presque comme si le cadreur était un troisième danseur. En bref, une belle réussite qui combine deux arts pas facile à marier.

Le “Métrange Beaumarchais” a été remis à L’accordeur, que nous avions déjà évoqué lors du festival de Puteaux.

Le “Métrange du format court” a été attribué au film Danny Boy  de Marek Skrobecki.

Enfin, le “Métrange animé” a été décerné à Pixels, de Patrick Jean, qui avait fait grand buzz lors de sa sortie.

Si le festival est encore petit, il a tout de même réuni des invités de marque pour sa première édition. On pouvait notamment rencontrer Laurent Melki, célèbre dessinateur d’affiches et de jaquettes VHS, qui fit le bonheur des cinéphiles fréquentant les vidéoclubs des années 80.  Creepshow et Freddy, c’est lui ! Le reste du jury se composait de : Elise Larnicol, Thierry Harcourt, Benjamin Louet et Hervé Thébault.

Le grand gagnant du festival est l’accordeur d’Olivier Treiner, qui remporte le prix du public et le prix du scénario. Filmé avec soin, interprété avec brio, impeccablement photographié, l’accordeur est un peu trop propre à mon goût. Le film donne néanmoins tout ce que l’on attend d’un court-métrage. L’histoire est originale : après avoir échoué à un prestigieux concours, un pianiste se reconvertit en accordeur. Il se fait passer pour aveugle afin de s’immiscer dans la vie privée des gens, jusqu’au jour où il tombe sur situation inédite… La chute est originale et inattendue.

Le coup de coeur de l’association organisatrice fut remis à Clonk de Bertrand Lenclos. Ce sera aussi mon petit préféré. Film tant halieutique que philosophique, à la fois critique du petit monde du cinéma fauché, c’est aussi un proche parent de Cannibal Holocaust. Un réalisateur convainc quelques-unes de ses connaissances de se lancer dans l’aventure d’un court-métrage (belle mise en abyme pour commencer). L’histoire du film dans le film est celle d’un pêcheur qui tente d’attirer le silure, poisson peu esthétique à l’horrible bouche béante. Le “clonk” n’est autre qu’une technique de pêche adaptée au silure. Mais le pêcheur tombe à l’eau, emporté par sa proie et se fait recueillir par trois nymphes.

Si le début du tournage se passe bien, l’ensemble de l’équipe (parmi laquelle figure Jackie Berroyer, dans son propre rôle) voit bien vite les inconvénients d’un projet amateur. Pire encore, le réalisateur se révèle tyrannique, voire violent, et ses acteurs finissent par devenir ses souffre-douleurs jusqu’à un point que l’on n’imagine même pas. Clonk est très malin car il se fait lui-même passer pour un film amateur avec ses plans tournés caméra à l’épaule et son image extrêmement granuleuse. Mais l’enchaînement des événements est parfaitement maîtrisée et l’on finit par glisser vers un bon gros délire qui ne semble pas connaître de limite. Cette liberté créatrice est enthousiasmante, d’autant que les dialogues sont drôles et bien écrits. Le film a son site officiel : http://clonklefilm.blogspot.com

Le prix spécial pour la technique a été décerné à l’espagnol Las Horas muertas d’Haritz Zubillaga dont j’avais déjà dit beaucoup de bien et qui est visible sur le net (sous-titré anglais) :

Le prix des écoles de cinéma va à La Menace vient de l’espace de Pierre-Axel Vuillaume-Prézeau – École Cinécréatis de Nantes. Le court de 19 mn, parodie de film de SF des années 50, est visible en ligne :

Un mention spéciale du jury a été donné à Danny Boy de Marek Skrobecki (Suisse-Pologne).

Enfin, le prix du jury a été décerné à Conflit de Pierre Teulière. Au départ, le film constitue un bel exercice de style. Sous forme d’un seul plan séquence, on y voit la vie quotidienne et répétitive d’un homme. Il passe de sa chambre au métro par une seule porte, puis il passe directement à l’usine dans laquelle il travaille, avant d’arriver instantanément à un bar où il prend un verre. Il fait quelques pas et se retrouve à nouveau dans sa chambre, regarde la télé puis va se coucher. Chaque jour la même scène se répète. Visuellement, le film est très réussi et multiplie des effets spéciaux inventifs et réussis que ne renierait par un Michel Gondry. Alors que l’on croit à une simple critique du “métro-boulot-dodo”, les différents univers (usine, bar, métro, chambre) commencent à se mélanger et le film se dirige alors du côté du cauchemar lynchien. Les visions deviennent très inquiétantes, tant et si bien que la chute paraît un peu faible au final. Le film offre une belle plongée dans un esprit torturé, qui rappelle avec talent les premières oeuvres malades de Lynch dont fait partie le fameux Eraserhead.

Les membres du jury du festival

FEST comme Fantastique, Étrange, Suspense et Thriller.

Les Films Avenir organise la 1^ère édition du FEST’ival du court-métrage de Puteaux, les vendredi 16 et samedi 17 septembre 2011 au cinéma Le Central.

Le festival a pour objectif de découvrir et de révéler des auteurs, des réalisateurs et des nouveaux talents, de sensibiliser le public, en particulier les jeunes, au cinéma de genre, et de promouvoir les rencontres entre professionnels du cinéma et public.

Le festival proposera une trentaine de films français et internationaux répartis en deux catégories : compétition officielle et compétition écoles de cinéma.

Les thèmes du festival sont les suivants : l’angoisse, l’épouvante, l’étrange, le fantastique, le frisson, le gore, l’horreur, l’imaginaire, l’irréel, le merveilleux, le paranormal, la peur, la science-fiction, le surnaturel, le suspense et le thriller.

Les films programmés en compétition seront soumis à l’appréciation d’un jury de professionnels du cinéma, de la culture et des médias. Plusieurs prix seront décernés dont le prix du public.

Cet événement est dédié aux amateurs de frissons, à ceux qui s’interrogent sur la représentation des mondes imaginaires, parallèles ou étranges, ou tout simplement aux passionnés de cinéma et de cinéma de genre en particulier.

Vendredi 16 septembre 2011 : 20h-23h

Samedi 17 septembre 2011 : 13h-18h et 19h-22h30

Informations et renseignements : www.lesfilmsavenir.com

En collaboration avec Sinistre Magazine, le québécois Eric Falardeau tente de boucler le financement de son premier long-métrage intitulé Thanatomorphose. On peut suivre l’évolution du projet ici. Pour donner une idée de l’ambiance (forcément très étrange vu les courts-métrages du chump), le réalisateur a conçu un teaser :

Pour contribuer ici, cliquez ici pour les détails.

Dans un genre plus musical, Rock’n'Roll over est le projet d’Enguerran Prieu. Ce dernier vous propose de découvrir Giallo Queens, un groupe de rock des années 70, connu pour leur mise en scène théâtrale lors de leurs concerts. Le film sera une fiction psychédélique inspirée de faits réels.

Il reste 8 jours pour financer les 50% manquants du film. Alors dépêchez-vous ! Le projet est inscrit sur Ulule, tous les détails ici. Le teaser :

Membre du collectif School’s out (Last Caress, Blackaria), Guillaume Beylard a déjà réalisé un premier long-métrage : Ossessione. Twist of Caïn, son nouveau projet, est déjà financé à 100%. Il est donc certain que le film va se faire. Cependant, il reste 5 jours pour pouvoir participer à l’aventure. De plus, de nombreux sommes et avantages sont proposés. Forcément, les influences seront giallesques, mais pas seulement. La description du projet sur Ulule. Et la présentation vidéo du projet par le réalisateur lui-même :

Scénarisé par Colin Vettier (Ouvert 24/7) et Olivier Béguin (Dead Bones), Employé du mois propose un synopsis ne manquant pas d’originalité : Autrefois cachés dans des placards, des cercueils ou des sarcophages, les créatures font maintenant la queue pour trouver un nouvel emploi. C’est là qu’intervient le Bureau de Reconversion Professionnelle des Mythes et Légendes (BRPML), un organisme qui aide à réintégrer toutes ces créatures dans la vie active.

La page Ulule indique que le projet est financé à 50% et qu’il reste 25 jours pour y participer. La mythique Catriona McColl est prévue au casting.

Un groupe de soldats se réveille dans un lieu inconnu. Innocence, est un film qui promet de l’action et son ambition a un coût : 18 000 EUR pour une durée de 18 minutes. Cependant, la part demandée aux internautes n’est que de 5000 EUR et celle-ci se monte pour l’instant à 55%. Il reste encore 38 jours avant la fin de l’appel Ulule. On retrouve quelques bonnes têtes au casting : Emmanuel Bonami et Rurik Sallé, entre autres. Une démo a été faite pour présenter le projet :

Tout un tas d’autre projets sont disponibles, n’hésitez pas à aller faire un tour : http://www.ulule.com

Hybrid d’Eric Valette

Si Prowl laissait à penser que Syversen s’était perdu à Hollywood, cet Hybrid est la preuve que Valette à bien fait d’en revenir. Le film à dormi pendant deux ans dans les cartons, et à sa vision, on comprend pourquoi. Passé un beau plan d’introduction (et une image HD cam absolument nickel), on arrive face à un scénario tantôt complétement balisé, tantôt carrément imbécile.

Reprenant le thème de la voiture tueuse ( Ne vous enflammez pas: Malgré le titre, il ne s’agit pas d’une Toyota Prius devenue schizophrène à force de passer du thermique à l’électrique…) et l’intégrant à un schéma de huis-clos monstrueux façon Alien (Si vous vouliez voir un raid meurtrier avec une voiture qui renverse les piétons par paquet de douze, c’est raté), le film joue le décalque du film de Ridley Scott jusqu’à prendre pour personnage principal une héroïne, qui, évidemment effacée au début, va s’affirmer au fur et à mesure du combat.

Le problème, c’est qu’elle est la seule à évoluer, et que les autres personnages, mal écrits, sans finesse, et souffrant de surcroit de dialogues parfois aux frontières du ridicule, restent enfermés dans leurs archétypes, et campent sur leurs points de vue, sur la position qui leur a été donnée à chacun dès le début. Résultat, ils meurent l’un après l’autre sous les assauts de la bagnole sans que ça nous touche plus que ça, même si certaines morts sont suffisamment amusantes pour réveiller l’intérêt du spectateur…
Pour ne riens arranger, l’explication quant à la vraie nature de notre “boogeycar” prète plus à rire qu’autre chose, et les SFX qui nous laissent à voir cette vraie nature sont à peine digne d’une production The Asylum. Et dire qu’ils ont converti ça en 3D…
Conclusion: A moins d’avoir un sens de l’humour particulièrement développé, rematez plutôt Christine ou Enfer Mécanique…

American Grindhouse de Elijah Drenner

Un bien sympathique documentaire revenant point par point sur tous les aspects, toutes les tendances, toute l’histoire du film d’exploitation américain, de l’époque du muet jusqu’à sa réappropriation par Tarantino et consorts. Si on a déjà eu une floppé de documentaire de ce type sur le sujet, ça reste intéressant, fouillé, très rythmé, drôle (les intervenants, un John Landis hilarant en tête, autant que les extraits de films participent à la bonne humeur de l’ensemble), mais ça pèche au final par excès de bonne volontée, par envie de bien faire, d’être, sinon exhaustif, du moins quasi-complet.

Le nombre de films ainsi présenté est purement impressionnant, anecdotes de production à l’appui, mais on entre jamais plus en avant dedans, d’autant que les extraits et commentaires semblent, encore une fois, avant tout choisis pour leur potentiel “fun”, Drenner faisant un film ouvertement léger, gardant quasiment toujours une distanciation, un second degré vis-à-vis de son sujet, quitte à faire rire aux dépends des films qu’il présente.

Ce n’est pas dramatique en soi, bien au contraire, mais une analyse plus profonde des films, des genres, de ce qu’ils traduisent, aurait été bien.

Machete Maidens Unleashed de Mark Hartley

Après un Not Quite Hollywood qui s’intéressait au cinéma australien, Mark Hartley se penche sur le cas du cinéma d’exploitation made in Philippines. Et plus particulièrement sur la façon dont des producteurs américains, Roger Corman en tête, ont utilisés le savoir-faire bon marché des cinéastes phillipin dès les années 60 afin de fournir les drive-in US en films d’une qualité… discutable.

De fait, Machete Maidens Unleashed apparait comme une sorte de complément à American Grindhouse, d’autant que des gens comme Joe Dante ou John Landis apparaissent dans les deux films. D’autant aussi que, là encore, le ton se veut délibéremment léger, fun, est volontairement nostalgique et moqueur envers ce cinéma bricolé, libertaire, fou.
On pourra au passage regretter que le film s’intéresse pour trop à la filière Corman, et oublie durant une bonne partie du métrage le reste de la production ciné phillipine, tant celle destiné au autochtones que les autres fillières internationales existantes, notamment avec Hong-Kong. Et il suffit de jeter un oeil au site Nanarland.com pour se rendre compte qu’il y a moyen de faire…

Compétition Court-métrages

Bloody Christmas 2 de Michel Leray

Suite “bigger and louder” d’un très sympathique permier opus (qui avait pour vedette Kad Merad), cette histoire de sapins de noël vengeurs pâtit principalement d’arriver après un autre court-métrage sur le même thème, particulièrement réussi, et qui a suffisamment fait parler de lui pour que la comparaison s’impose: Treevenge, de Jason Eisener (par ailleurs futur réalisateur de Hobo with a Shotgun). Le problème est que ce Bloody Christmas 2, malgré de bond moments et quelques gags réussis, ne tient pas la comparaison, d’autant que, pris entre ses envies de spectaculaire et son humour potache qui nécessite de la simplicité, le film semble bancal. A trop vouloir en faire…

Cabine of the Dead de Vincent Templement

Déjà vu au FEFFS pour ma part, cette variation autour de l’invasion de zombies (un homme s’enferme dans une cabine téléphonique cerné par les morts-vivants et appelle au secours toutes les personnes qu’il connait) est foncièrement drôle, tant les réactions et discussions “normales” de la galerie de personnage apparaissent en complet décalage avec la menace exceptionnelle que représentent les zombies. C’est rythmé, bien filmé, amusant. Sympa.

Le Miroir de Sébastien Rossignol

Déjà, c’est très beau. On sent une vraie recherche, un vrai travail sur les décors, costumes, accessoires, sur la mise en images de tout ça, et sans doute, aussi, un budget confortable. Malheureusement, ça ne fait pas tout, cette introspection d’une star défigurée ayant un méchant goût de déjà-vu, manquant d’originalité. Reste cette esthétique, cette ambiance étherrée bien retranscrite, qui a du plaire au jury aux vues du grand prix…

Le Vivier de Silvia Guillet

Une femme s’enferme chez elle, seul avec son mari cloué au lit, et visiblement malade. Ca commence comme un drame domestique aux apparences froides pour virer à la fable absurde et surréaliste. C’est intriguant, plein d’une sorte de poésie tordue, et quelque part d’une morale sur l’amour fou. Etrange,  mais intéressant et beau. Subjectivement parlant, mon préféré de la sélection.

Mandragore de Fabrice Blin

Un homme se reveille nu, en pleine forêt, et trouve refuge dans une maison isolée où vivent une mère et son fils. un lien se tisse entre eux, mais la menace gronde… sympathique film aux influences divers heureusement bien digérés et offrant une tournure intéressante à l’histoire. Pas de gros défaut notable, c’est carré, réussi, et les effets spéciaux traditionnels qui apparaissent à la fin sont simples et efficaces, et jouent pleinement en faveur du cachet volontairement classique (dans le bon sens du terme) du film.

No Face de Mathilde & Jean-Yves Arnaud

le problème de ce No Face est le même que pour Bloody Christmas 2: celui d’arriver après un autre film qui a fait mieux sur un thème similaire. Ici, l’autre film s’appellait l’Homme Sans Tête, de Juan Solanas, César 2004 quand même. No Face souffre de la comparaison du fait d’un univers moins marqué (le manque du budget est assez flagrant une fois de plus), d’une esthétique qui en ressort bancal: Le monde extérieur est commun, réaliste, et le personnage, ses accessoires, son univers, en sont d’autant plus anachroniques. Ce n’est pas rédibitoire, mais génant, d’autant que l’idée reste belle, bien traitée, et que la poésie du film fonctionne bien.

Red Balloon de Damien Macé & Alexis Wajsbrot

Une baby-sitter fait face à des évenements étranges dans la maison où elle officie. Un petit film d’angoisse guère original, empruntant visuellement par-ci par-là (des déplacements dans la maison façon Panic Room, une intrigue de slasher, du jump-scare facile et un twist tout juste passable), mais  ça manque de personnalité, d’originalité, la maitrise technique ne faisant pas tout.

à suivre: un peu d’inédits vidéo, un peu de rétrospective…

Guillaume Tauveron, réalisateur de Sakura no Kage et Survival, prépare actuellement un nouveau court-métrage au Japon, dont le tournage est prévu en Avril 2011.
Le casting de The blood sera uniquement japonais, et le film sera en langue japonaise. Un teaser a été réalisé avec les acteurs principaux pour promouvoir le projet.

Pour soutenir le film et recevoir une contrepartie, tous les détails se trouvent ici :

http://fr.ulule.com/the-blood/

Après de longs mois de post-production, sonore notamment, Incitatus le nouveau court-métrage de Viktor Alexis, est enfin visible par quelques privilégiés. Il sera également projeté au cinéma Le Dietrich à Poitiers, le vendredi 7 janvier 2011 à 19h30.

Le film débute par quelques cartons expliquant les règles de l’univers fantastique dans lequel se déroule le drame. On nous parle de la monarchie de Nalgam, de Leonus et Weltus, deux guerriers qui réclament le droit de succéder au roi défunt. Les deux combattants vont donc se mettre sévèrement sur la gueule mais l’apparition d’une nymphe va changer la donne.

Passons sur les dialogues inexistants (le film est muet) et sur l’histoire assez obscure. Comment comprendre par exemple cette apparition d’un scaphandrier géant, rappelant les Kaiju Eiga (film de monstres japonais) ou ce cri de monstre que nous ne verrons jamais ? Tentons d’oublier la logique, car le cinéma de Viktor Alexis est avant tout une question de sensations visuelles et sonores. Et là bien entendu, le dépaysement est réussi.

Le point fort du film est sans nul doute ses costumes baroques, véritables patchworks low-tech digérant plusieurs influences : industriel, médiéval, avec des morceaux de Tetsuo et de Mad Max. Chacune des pièces constitue une véritable petite œuvre d’art originale. Pour l’ambiance, les images ont été converties dans un joli sépia avec quelques discrets effets de pellicule vieillissante. Comme on pouvait s’y attendre, le “sound design” est particulièrement soigné, tant dans les moments calmes (vent et oiseaux dans les arbres) que dans les combats, qui font la part belle aux percussions métalliques et aux cris bestiaux. La musique de Moussorgsky renforce l’aspect épique du récit. Peut-être un peu trop, car une telle richesse sonore finit par écraser les images finalement basiques de deux guerriers en armure se donnant des coups de barre de fer. L’utilisation de la fameuse “shaky cam” distrait aussi l’œil et finit par lasser. Le combat final est sans doute volontairement exagéré mais le son boursouflé, associé aux images tremblantes, rendent la chose pénible sur de trop longues minutes. Au milieu de cette orgie bruyante de violence, le plan d’un insecte se frayant un passage dans les feuilles, offre quelques secondes de précieux repos. Mais le plus gênant est que le sort des deux combattants nous indiffère car nous ne les connaissons pas, après tout. Il manque une âme à ces deux armures, malgré leur beauté plastique. On ne verra d’ailleurs le visage du deuxième combattant qu’à la toute fin, ce qui permet de l’humaniser un tant soi peu, mais trop tard.

Comme d’habitude, on retrouve les thèmes chers à l’auteur. La forêt versus la ville. La barbarie versus la beauté. Et à propos de beauté, on ne pourra que reconnaître l’audace de la fidèle muse Audrey, dans le rôle de la nymphe Flora, qui nous dévoile ici ses charmes lors d’un candide striptease forestier. Tout un programme. Parlons quand même des hommes en attribuant une mention spéciale à Jean David Izambard pour sa barbe, qui évoque toute proportion gardée, la fameuse pilosité spartiate de Gerard Butler.

Incitatus est sans doute le film le plus abouti de Viktor Alexis en terme de mise en scène. Le cadrage, les mises au point, les éclairages en font un film séduisant d’un point de vue esthétique. Il reste donc un problème de scénario, confus et sans véritable enjeu dramatique, partiellement sublimé par les somptueuses images.

L’Ecole Georges Méliès à Orly forme en 3 ans des professionnels de la création numérique, pour le Cinéma d’Animation et des effets spéciaux numériques.
Pour leur fin d’étude, Marine Perraudin, Guilhem Salines, Jean-Baptiste Bister et Matthieu Gouget de Landres ont réalisé un film racontant le premier jour de maternelle d’un petit garçon, qui vit cette expérience comme un cauchemar. Grâce à un habile mélange de 2D et de 3D, le film explore avec habileté les terreurs enfantines, en jouant sur les perspectives et en illustrant au premier degré les peurs imaginaires du garçon. Les auteurs montrent que l’horreur peut aussi être multicolore et pas seulement rouge “gore” !

Le making-of se trouve ici : http://www.maternelle-the-movie.com/

La Fondation Alliance française en association avec Serum Films présentera donc les 6 & 7 décembre prochains, G.E.N.R.E. II «Fables Urbaines» – Festival International du Court Métrage de Genre, soit deux soirées exceptionnelles de 3h autour d’une projection de films courts et d’une rencontre avec des professionnels du cinéma (réalisateurs, comédiens, producteurs, prestataires et diffuseurs) le premier soir, et d’une rencontre avec les équipes des films projetés suivie d’une remise de prix le second.

L’idée de ce festival est de faire découvrir au plus grand nombre des courts métrages, genre quelque peu méconnu du grand public. Sera présentée sur grand écran une sélection de films (thriller, film noir, fantastique, science fiction…) de qualité, techniquement et artistiquement aboutis.
Le Jury présidé par Xavier Gens (Hitman, Frontière(s), The Divide) et composé de Zoé Félix, Thierry Frémont, Patrice Carré (Cinecinema), Olivier Duval (Digimage), et Catherine Habib (Vodmania) décernera 3 prix : meilleur film, meilleur réalisateur et meilleur comédien.

G.E.N.R.E. est un évènement en entrée libre (dans la limite des places disponibles)
Huit films seront diffusés chaque soir à partir de 19h30 au théâtre de l’Alliance française -101, boulevard Raspail, Paris 6ème-

La sélection des courts-métrages français

Réalisé par David Perrault, sur commande d’Arte pour une série de courts sur le thème de Noël, Adieu Créature met en scène Rufus dans le rôle d’un Père Noël blasé qui cherche à fuir son métier. Le film prend d’abord une forme de film noir des années 50, avant de se diriger vers le surréalisme et l’absurde. Il s’avère juste un peu contemplatif par moment pour pas grand chose.

Bibelots de Mathieu Rotteleur et Coraline Gamon est un film d’animation réalisé dans un cadre scolaire. Sur une étagère, un personnage de bois a le hoquet. Ses camarades bibelots (une tête de poupée, des figurines de singe) essaient de lui faire peur en rejouant des scènes cultes de film effrayants (les dents de la mer, l’exorciste, psychose, etc.). Un petit film rigolo pour cinéphiles.

Cabine of the dead, de Vincent Templement évoque une énième invasion de zombies, sur le ton de l’humour cette fois. Harcelé par des créatures en manque de chair humaine, un homme se retrouve piégé dans une cabine téléphonique. Il appelle alors toutes ses connaissances pour tenter de trouver de l’aide. Mais il est certainement déjà trop tard. L’humour fonctionne plutôt bien grâce au décalage entre la situation d’extrême danger d’une invasion zombiesque et les réactions banales des différents amis et proches du personnage principal. Encore des zombies mais quand le scénario et les dialogues font preuve d’originalité, ça passe bien !

Dernier étage, d’Olivier Morice, utilise la structure de boucle infinie (un artifice utilisé dans plusieurs courts du Feffs d’ailleurs). Un représentant monte les étages et tente d’atteindre le dernier… Sans jamais y arriver. La mise en scène est soignée, si bien que l’on ressent vraiment le tournis à force de monter et remonter ces escaliers étroits. Bon, pendant huit minutes, ça fait un peu long quand même, mais toujours moins que l’éternité.

Les incroyables aventures de fusion man fait partie d’une série de courts réalisés dans le cadre d’une campagne contre l’homophobie. Avec Xavier Gens aux commandes (et Marius Vale), on a droit à un vrai film de superhéros gay, avec de l’action, des masques, des combats d’onde alpha.

Je n’ai pas du tout accroché à Ma mort à moi de Mathieu Mazzoni. Le film raconte l’histoire d’un type qui voit sa propre mort dans un magazine à sensations. Son problème, c’est l’origine de sa mort : empoisonné par un yaourt périmé… Le réalisateur tente une approche par l’absurde mais pour dire quoi exactement… Mystère.

Mon père fut sans doute le film le plus intense de cette sélection. Patrice Gablin avait déjà réalisé auparavant Chasseur de rêve, un beau film d’aventures montagnardes où d’obscurs personnages recherchaient une obscure créature magique. Formellement, le film était très réussi et proposait d’étonnants effets spéciaux utilisés pour créer une atmosphère étrange. Le point fort du film était aussi son point faible, le visuel prenait le pas sur le récit et les motivations des personnages restaient confuses.
Avec Mon père, le réalisateur se concentre sur le déroulement de l’action et ses personnages. Il garde toujours en tête cette idée que l’imaginaire (les rêves, les contes et légendes) peut entrer en contact avec un quotidien bien réel. Le film raconte l’histoire d’un enfant qui trouve que son père est “bizarre”. La maman, interprétée par Stéphanie Kern Siebering, montre aussi une certaine méfiance… Le film est donc débarrassé d’un visuel trop prégnant. Au contraire, il s’ancre dans un naturalisme assez froid. Le récit fonctionne grâce aux comédiens et en particulier les enfants, étonnants de spontanéité quand il faut jouer leur propre rôle. Reste que la fin est un peu trop grandguignolesque alors que ce n’était pas nécessaire, la terreur étant dispensée par la suggestion et le jeu inquiétant d’Emmanuel Bonami.

Polaroïd raconte les histoires de coeur d’Anna, une jeune photographe, adepte de l’appareil en voie de disparition. Cette veuve noire s’en sert pour capturer dans un album photo un peu spécial, ses fiancés trop volages à son goût. Le film se laisse suivre, sans ennui mais sans grand intérêt non plus.

Via de Léonore Mercier est un chef d’oeuvre pasolinien ainsi qu’une bouleversante mise en abyme sur la condition de l’être-cinématographe. Ce court-métrage expérimental essaye de réécrire les règles classiques du cinéma, changeant la logique des choses. Le film est à la fois une histoire et un making-of. C’est un peu nombriliste et heureusement que Denis Lavant interprète le personnage principal. Sa trogne échevelée et sa présence perturbante suffisent à remplir le cadre d’un film un peu vain.

La sélection des courts-métrages européens

Amock est un film français qui montre des étudiants à la fac filmer un peu n’importe quoi. Jusqu’à ce qu’ils aperçoivent brièvement une créature bizarre. Les deux garçons suivent la bestiole dans les sous-sols de l’école et sont bientôt poursuivis par des monstres. Pour résumer, c’est Cloverfield en moins bien. Même si visuellement, le résultat est potable eu égard des moyens que l’on devine limités, on se demande quel est l’intérêt de refaire quelque chose qui a déjà été fait mille fois mieux.

Customer support est sans doute le plus drôle de la sélection. Ce courts norvégien montre une hotline téléphonique, avec des techniciens toujours prêts à aider le client. Pour dépanner un ordinateur ou une connexion Internet ? Non, pour ouvrire une porte ! Dans le monde du réalisateur André Ovredal, ouvrir une porte peut devenir très vite compliqué. L’on ne se rend pas compte de tout que cela exige en dextérité et en intelligence…

El grifo fait figure d’exercice de style sur le thème du survival. Un homme âgé se retrouve seul et se coince le doigt dans un robinet. Il doit alors faire face à tous les obstacles que cet imprévu lui réserve : comment se nourir, faire ses besoins, prendre ses médicaments, survivre, appeler à l’aide, etc.

Fard est un film d’animation au graphisme très épuré. Travaillant dans un bureau, Oscar récupère un mystérieux paquet laissé par un ami. Il l’ouvre et une lampe de poche fait apparaitre un monde “autre”. Le concept est étonnant et très réussi. L’aspect visuel global se base sur le même concept que A scanner darkly. On a filmé les acteurs et les décors puis on repasse les contours au crayon, image par image. Sauf que la technique sert ici également d’idée scénaristique : le trait lisse du crayon cache un monde bien moins reluisant.

Jericho, film irlandais de Liam Gavin, est mon chouchou. Franky a du mal à se remettre de la mort de sa femme. Il est même prêt à se suicider lorsqu’il entend un bruit au grenier. Dans une malle, c’est son doudou d’enfance nommé Jericho, qui le supplie de reprendre goût à la vie. A Jericho se joint Blizzard, une peluche géante et vivante de 2 mètres de haut sur 2 mètres de large ! Croyant avoir des hallucinations, Franky va suivre un traitement psychiatrique qui vont progressivement faire disparaître ses deux compagnons. Le film est très émouvant et il réussit le tour de force  de trouver un graphisme rappelant l’enfance, et qui donne un contraste énorme avec l’univers gris et triste du quotidien de Franky. Jericho et Blizzard sont la manifestation colorée de l’espoir, face à la sévère dépression de l’homme. En somme, c’est une sorte de Max et les maxi-monstres pour cinquantenaires déprimés.

Les pantoufles de Laura revisite les peurs enfantines à la façon espagnole. Oscar Bernacer (présent au festival) livre un film très personnel et la mise en scène s’adapte à l’état d’esprit de la petite fille, personnage principale qui doit surmonter ses terreurs nocturnes. Guillermo Del Toro n’est pas très loin avec son faune et sa créature du banquet.

La Suisse nous envoie Lester, un vampire allergique à certains groupes sanguins. Sa prochaine victime, une jolie jeune femme qui se retrouve le sein à l’air, sera-t-elle compatible ou non ? Un brin d’érotisme, beaucoup d’humour, un sympathique petit film qui fait du neuf sur le thème éculé du vampire.

Mr Foley est un film très étrange. Mr Foley se réveille à l’hôpital. Il n’entend plus rien. Seulement les sons d’un orchestre et d’un duo de bruiteurs sadiques. Quelle est cette masquarade ? Est-il fou ? Sourd ? Quatre minutes de non-sens mais dont la forme fera marrer.

Perpeetum Mobile (la Suisse encore) s’emploie à illustrer la boucle infinie dans un exercice un peu simpliste.

Tous les hommes s’appellent Robert, du français Marc-Henri Boulier, est aussi court qu’efficace. Un homme court nu dans la forêt, couvert de boue. A ses trousses, des chasseurs sans pitié. Tout le film est basé sur sa chute, étonnante, mais pas originale puisque le concept a déjà été utilisé dans un film célèbre avec des primates sur des chevaux. Quoi, je spoile…

Proie, d’Antoine Blossier

Un patriarche et ses deux fils s’occupent d’une usine d’engrais et d’une exploitation agricole. Lorsqu’ils retrouvent des cerfs blessés, ils partent à la chasse au sanglier, en emmenant le gendre. Mais les magouilles chimiques et financières d’un des fils a pollué les eaux du secteur, ce qui a rendu les animaux fous. La partie de chasse va tourner au massacre pour les humains…

Embarrassant.

C’est un film de sangliers. Que l’on devine fous furieux. De grande taille. Mais que l’on ne voit jamais. Ou alors si peu.  Pendant une heure et demi, nous suivons les quatre hommes déambuler dans la campagne et attaqués toutes les cinq minutes par des fougères qui bougent. Lors des attaques, la caméra est beaucoup secouée. Dans la salle au deuxième rang, les dégâts rétiniens sont avérés. Les “jump scare” sont légion et toujours basés sur le même principe. Plus de musique, plus de bruit et… JUMP SCARE ! On sursaute la première fois mais ensuite on a compris. Enfin mon voisin de gauche ne comprenait pas. Il sautait à chaque coup. C’était épidermique, je crois.

Le réalisateur et son scénariste étaient présents. Ils ont répondu aux questions d’un public visiblement comblé. Pour ma part, je ne comprends pas comment on peut faire un film de sangliers, sans montrer de sangliers. Ok, c’est une question de moyens. Mais imaginons un instant Predator sans voir la créature…Ca n’a pas de sens. Et les auteurs ne cessent de clamer leurs influences: des films des années 80, Razorback, Predator, ou des plus récents comme The Descent.

Dans une scène, un téléphone portable ne cesse de sonner, trop longtemps. Les auteurs arguent d’une certaine crédibilité. On ne peut pas se débarrasser du portable juste pour arranger le scénariste. Soit. Mais les nombreuses influences de films de genre que citent les auteurs ne s’embarrassent jamais de soi-disant “crédibilité”. Predator est un film sur des militaires chassés par un rastaman griffu et casqué. Dans le genre crédible, on a vu mieux. Ce sont la réalisation et les idées de mise en scène de Mc Tiernan qui transcendent un scénario de série Z. La recherche de crédibilité à tout prix ne doit pas être une priorité, le spectateur sait qu’il regarde un film fantastique, donc il est prêt à accepter de nouvelles règles pour peu qu’elles aient une logique. Le casque du Predator est un outil de chasse et ses dreadlocks lui amène de l’air enrichi au gaz de sa planète (finalement son accoutrement bizarre trouve une logique).

Proie est aussi symptomatique de l’inadéquation entre producteurs et réalisateurs. Les premiers voient dans le film de genre une recette, un produit calibré pour ados qui aiment le gore, mais ils limitent et tempèrent systématiquement les idées folles des scénaristes et des réalisateurs. Nul doute que si les auteurs avaient pu mettre en image toutes leurs idées, le résultat eut été bien différent…

Participez du 1er septembre au 13 novembre 2010 à la 4ème édition du Concours de Courts-métrages Sky Prods

Sky Prods organise pour la 4ème année consécutive son Concours de Courts-métrages pour découvrir de nouveaux talents. Participez à l’une des deux catégories : films réels ou films d’animation/3D.

Pour participer, envoyez du 1er septembre au 13 novembre 2010 un court-métrage d’une durée maximale de 21 minutes. Les réalisateurs auront le choix de concourir entre deux catégories : films réels ou films d’animation/3D.

Plus de 2 000 € de lots à gagner : 500 € cash, 1 an de location DVD, caméscope HD, écran géant LCD, baladeur MP4 à écran tactile, chèques cadeaux…

Plus d’informations sur www.skyprods.fr

Quand ?

27/28/29 Août 2010. Le Offshort s’étend sur 2 jours pleins y compris une grande partie de chaque nuit. Il débute le vendredi soir et s’achève le dimanche en fin d’après midi.

Les horaires : vendredi de 17h à 3h du matin – Samedi 10h à 3 h du matin – Dimanche 10h à 18h

Où ?
PARANOIC PLAGE
Chemin du Moulinet (Axo plage)
02000 – MONAMPTEUIL

Source : http://offshort.com/lang/fr/le-offshort/

LE RÉSERVISTE est un court d’une vingtaine de minutes qui sera tourné du 23 août au 29 août 2010 à Bourg d’Oisans en Isère (38).
Écrit,produit et réalisé par Mathieu Berthon avec David Douhkan et Edouard Audouin (Sodium Babies) dans les rôles principaux.
C’est un actionner/comédie hommage au cinéma d’action des années 80.
L’équipe est bénévole et composée de techniciens du cinéma très expérimentés.

Il sera shooté en Canon 5D.

–Le Synopsis–

Le soldat Joseph Danton revient, après 5 ans, dans son village natal.
Accueilli par son oncle Gérard qui l’a élevé, il va renouer avec les joies de la vie en plein air et reprendre petit à petit goût à la vie…
Il tombera amoureux de Sarah une jeune paysanne qui aidait son oncle aux champs pendant son absence.
Malheureusement, cette plénitude va être vite interrompue par le meurtre sauvage de Gérard par les hommes de main de Angelo Combaropoulos, promoteur immobilier véreux décidé à racheter toute la région afin d’y faire construire un centre de loisirs HiTech.
Épaulé par Sarah et un groupe de villageois, Joseph va se dresser contre Angelo et ses sbires afin de sauver la région et venger le meurtre de son oncle.
Va s’en suivre une chasse à l’homme des plus sanglantes…

Nous recherchons (en tant que bénévoles).

-Un superviseur des effets-visuels sur le tournage

-Des infographiste pour la post-production (pas énormément de travail car le max sera fait en live si possible)

Nous recherchons aussi des figurants ( physique 25/30 ans) pour interpréter des mercenaires (en tenues militaires si possible) et des villageois (en tenues des champs) dans les environs de Grenoble.
Envoyez Cv et bande-démo à cette adresse: court.reserviste@gmail.com

Le blog du film : http://lereserviste.wordpress.com/

Le travail de Mathieu Berthon en images : http://www.vimeo.com/user2587903