Réalisé par le talentueux artiste britannique Banksy, figure de proue de la scène street-art mondiale auquel il a contribué à donner ses lettres de noblesse, Exit Through The Gift Shop (stupidement rebaptisé Faites le mur ! à l’occasion de sa sortie dans les salles françaises le 15 décembre dernier) est une petite perle de documentaire, embrassant in fine un spectre bien plus large que celui de la seule scène street-art susnomée. Si l’on retrouve ainsi quelques uns de ses plus médiatisés ambassadeurs tout au long du film (Banksy bien sûr, mais aussi Shepard Fairey, André, Space Invader…), c’est bel et bien le monde de l’art en général, son potentiel subversif, et sa récupération irrémédiable par l’establishment et le marché que Banksy va questionner au travers de ce long métrage virtuose. Sa méthode : accompagner pas à pas, et pendant plusieurs années le parcours de Thierry Guetta, Français installé à Los Angeles, et personnage surprenant, à la passion tangible mais à l’intellect un peu limité. Armé des meilleures intentions du monde (réaliser lui-même un documentaire sur cette scène street-art qui le fascine au plus haut point), ce « weirdo » attachant, à mi-chemin entre Candide et Gaston Lagaffe, va pourtant finir par ôter toute crédibilité à ce courant qu’il aimerait tant faire découvrir au reste du monde… Hilarant, surprenant, intelligent, extrèmement acerbe mais jamais cynique, Exit Through The Gift Shop est au final, au-delà de la polémique qui entoure le film (Thierry Ghetta existe t-il vraiment ? Banksy manipule t-il le spectateur ?) une éclatante réussite.

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On vous avait présenté sa bande-annonce il y a bientôt deux ans, et bien ça y est, l’exceptionnel documentaire de Mark Hartley Not Quite Hollywood, consacré aux heures de gloire du cinéma d’exploitation australien, est désormais disponible en France, chez MK2 Edition.

Starlettes dénudées, bikers furibards, animaux mangeurs d’hommes, meurtriers à la machette, courses-poursuites démentielles, kung-fu approximatif, érotisme de pacotille… Si le cinéma de genre Australien se plie volontiers à la Sainte Trinité Sexe/Action/Horreur, il n’en possède pas moins ses caractéristiques propres. A commencer par une durée de vie particulièrement limitée : apparu à la fin des années 60 suite à la création de la catégorie Restricted (interdit aux moins de 18 ans), il a commencé à décliner dès la fin des années 80 (avec l’apparition du marché de la vidéo) avant de reprendre enfin un peu de vigueur au milieu des années 2000, avec le succès à l’international de métrages comme Undead, Wolf Creek, Black Water ou Solitaire (Rogue).

Une petite vingtaine d’années donc, qui ont permis l’émergence de quelques perles du fantastique signées Peter Weir (Pique-nique à Hanging Rock, La Dernière Vague, Les voitures qui ont mangé Paris…), mais également de toute une vague de films beaucoup plus bis, réalisés par des réalisateurs peu soucieux des conventions et prêts à tous les sacrifices pour voir leurs créations cheap et improbables projetées sur les écrans des drive-in locaux.

Sexy comédies beauf et lourdingues (Stork, The Adventures Of Barry McKenzie, Alvin Purple…), tonnerres mécaniques (Road Games, L’Homme de Hong-Kong, Mad Max, Midnite Spares…), mondo locaux (Australia After Dark) films de vampires (Thirst), de crocodiles (Dark Age), de sangliers (Razorback), rape’n'revenge (Fair Game), ovnis inclassables (Patrick, Harlequin, Le Survivant d’un monde parallèle…), nanars incurables (BMX Bandits Les Traqués de l’an 2000)… C’est tout un pan d’une filmographie méconnue qui se dévoile progressivement, avec son lot de réalisateurs aventureux, d’acteurs de seconde zone, de cascadeurs têtes brûlées, et de moments de grâce inespérés (Wake In Fright, Stone, Long Weekend…).

Porté par un montage extrêmement cut, enchaînant sans temps mort entretiens, extraits de films et séquences d’archives, Not Quite Hollywood impressionne également par la richesse de ses intervenants (Jamie Lee Curtis, Dennis Hopper, George Lazenby, Stacy Keach, Richard Franklin, Ted Kotcheff, George Miller, Russell Mulcahy, Brian Trenchard-Smith… sans oublier un rayonnant Quentin Tarantino, visiblement euphorique à l’idée de pouvoir défendre quelques uns de ses métrages préférés). En rappelant le contexte économique, culturel, politique et social dans lequel cette frange « autre » du cinéma s’est épanouie à l’orée des années 70, mais également en lui donnant vie à travers d’innombrables comptes-rendus de tournage et anecdotes variés, ils donnent au final au documentaire de Mark Hartley une profondeur inattendue.

Véritable constellation de films déviants, explosifs et déjantés, plus volontiers sortis sur les écrans des drive-in que dans les salles d’art et d’essai européennes, la frange « honteuse » du cinéma aussie a réussi, à sa modeste façon à trouver sa place dans l’histoire du cinéma de genre mondial. De ses premiers pas timides à la fin des années 60, au déferlement de violence et à la radicalité aventureuse des années 70, en passant par toute la phase bis et déviante des années 80, elle n’aura eu de cesse de défier les conventions en cours, par conviction de temps à autre, mais surtout par roublardise la plupart du temps. Not Quite Hollywood lui offre enfin la tribune qu’elle méritait de longue date, et on ne sera pas les derniers à s’en réjouir.

Not Quite Hollywood, de Mark Hartley (MK2 Editions)

Suppléments : Entretien avec Quentin  Tarantino et Brian Trenchard-Smith, Grant Page, cascadeur explosif, Bande annonce

Site officiel : www.notquitehollywood.com.au

Bienvenue à Zombieland, de Ruben Fleischer

Là ou tant de films se content d’exploiter un twist à la con jusqu’à plus soif (zombies sous la neige, zombies teenagers, zombies strip-teaseuses, zombies nazis, à quand les zombies ninja ?), Ruben Fleisher, jeune réalisateur ayant fait ses armes à la télé, a vu les choses en grand. Mélange de film d’action, d’horreur, de buddy movie et de comédie sentimentale, Bienvenue à Zombieland, sorti en salles l’automne dernier et depuis peu disponible en DVD, joue en effet le tout pour le tout, mais réussit à emballer ces différentes facettes au sein d’un univers cohérent, original et respectueux du genre. Que demander de plus ? Un duo d’acteurs doués et charismatiques (le trop rare Woody Harrelson et l’excellent Jesse Eisenberg, déjà repéré dans Adventureland) ? Check. Un rythme échevelé enchainant sans répit, scènes d’humour, d’action, d’émotion, et d’horreur pure ? Check. Un générique au ralenti sur le For Whom The Bell Tolls de Metallica ? Check. Un climax final au sein d’un parc d’attraction rempli à craquer de zombies ? Check.

On pourrait continuer encore longtemps comme ça (une apparition du génial Bill Murray dans son propre rôle ? Ch… ), mais ce serait passer à côté du principal. Ce qui fait tout le sel de Bienvenue à Zombieland, c’est avant tout son postulat de départ, selon lequel, en cas d’invasion de zombies généralisée, les individus les plus aptes à la survie seraient les plus inadaptés à la vie quotidienne en société. En l’occurrence, un jeune geek sensible et solitaire, et un redneck misanthrope accro aux Twinkies et aux armes à feu, rapidement rejoints par deux jeunes et belles arnaqueuses… En transformant progressivement son armada de freaks asociaux en communauté soudée et solidaire, Ruben Fleisher réussit à introduire avec succès humour, tendresse et émotion dans l’univers a priori hardcore du zombie flick, sans renier ses fondamentaux pour autant (univers glauque, quête désespérée, gore à outrance…). Un pari pas forcément gagné d’avance, mais dont le réalisateur s’acquitte ici brillamment, comme avait déjà su le faire Edgar Wright avec son Shaun of The Dead il y a bientôt 6 ans. Ce qui, mine de rien, n’est pas une mince référence…

DVD édité par Sony Pictures Home Entertainement.
Bande-annonce disponible ici

World War Z, de Max Brooks

Déjà auteur d’un remarqué Guide de survie en territoire zombie, et accessoirement fils du réalisateur Mel Brooks, le romancier Max Brooks signe avec World War Z. Une histoire orale de la guerre des zombies, un haletant récit d’anticipation, digne des meilleurs films du genre. Présenté comme la version non expurgée d’un rapport de l’ONU réalisé 12 après la Guerre des Zombies, World War Z est ainsi constitué d’une succession d’entretiens fictifs avec des survivants du cataclysme mondial, qu’ils y aient joué un rôle majeur, ou qu’ils en aient été de simples et anonymes témoins. Regroupés en différents chapitres classés par ordre chronologique (Premiers Symptômes, La Faute, La Grande Panique…), ces différents témoignages permettent au lecteur de reconstituer progressivement les évènements en filigrane, et à l’auteur de varier les registres de récit (angoisse, horreur, action, suspens) ainsi que les profils sociologiques abordés (militaires, scientifiques, politiques, gens du peuple…). Un dispositif narratif astucieux, qui permet par ailleurs à Max Brooks de développer le deuxième point fort du roman : son angle d’approche. En abandonnant le principe du petit groupe de survivants assaillis et la description de leur évolution psychologique progressive, il a en effet tout loisir de développer une trame globale complexe à souhait, où les rapports  géopolitiques entre pays pauvres et pays riches jouent un rôle clé dans la propagation de l’infection zombie. Alors certes, World War Z reste au final plus proche du divertissement intelligent que du véritable pamphlet politique sans concession, il n’en reste pas moins que le livre devrait s’imposer sans mal comme un des futurs maitres-étalons de la littérature zombiesque. C’est dit !

Livre édité par les éditions Calmann Lévy

Crossed, de Garth Ennis & Jacen Burrows

Encore assez marginale dans la bande dessinée européenne, la figure du zombie occupe à l’inverse un part non négligeable du marché du comics américain. Si quelques titres phares du genre comme Walking Dead ou l’iconoclaste  Marvel Zombies sont déjà disponibles en version française (respectivement aux éditions Delcourt et Panini Comics), l’une des œuvres les plus abouties du genre, Crossed, de Garth Ennis et Jacen Burrows (édité aux Etats-Unis chez Avatar) reste à ce jour scandaleusement inédite en France. Bien connu des amateurs de comics hardcore et sans concession, Garth Ennis est un scénariste irlandais à l’origine de fleurons comme la série culte Preacher chez Vertigo , et l’auteur d’un des runs les plus haletants de la série Punisher (dans la collection Marvel Max). Sa marque de fabrique : un dégout affiché pour le politiquement correct, une attraction sans limite pour les univers sombres et les facettes les plus noires de l’être humain, et enfin une propension innée à imaginer les scènes de violence et de sexe les plus outrancières possibles. Ce contexte posé, on comprendra rapidement, que Crossed, décrit par son auteur comme « le récit le plus extrême et le plus dérangeant qu’il ait jamais écrit » (sic), n’est pas un comics comme les autres. Et ce bien au-delà de la simple dimension « choc » de l’œuvre. Si massacres, viols collectifs, tortures et mutilations diverses sont en effet bien présents tout au court du récit, ce dernier s’apparente paradoxalement plus à une errance désespérée dans la ligne du roman La Route de Cormac McCarthy qu’à un stupide torture porn version comics. Dans Crossed, les zombies ne sont pas morts, ce sont simplement des humains dont une curieuse épidémie n’a laissé intacte que la part la plus sombre de leur psyché. Traqués sans relâche à travers les Etats-Unis, quelques survivants vont néanmoins tenter de rester envie, tout en conservant un semblant de santé mentale. Une quête évidemment vouée à l’échec… Sobre, sèche, froide et intelligente, la série impressionne surtout par sa capacité à instaurer un climat de tension permanente, réduisant à quelques cases seulement les déferlements d’ultra-violence pour mieux en renforcer l’impact. Si lire un comics en anglais ne vous rebute pas trop, l’achat de l’intégrale de la série sur le net (240 pages, 20 € environ) est vivement recommandée.

Plus d’infos ici

Quatrième volet de la collection « Movies In Your Head » du label Stembogen, Traumavision est la déclinaison discographique d’un projet éponyme amorcé par le dessinateur culte Pierre La Police, en hommage au cinéma bis et aux séries Z. D’abord présenté sous la forme d’un livre, puis d’une exposition chez Agnès B., Traumavision passe ainsi au format audio, suite à la collaboration de l’artiste avec le duo Radiomentale (Jean-Yves Leloup & Eric Pajot). Au programme, 57 minutes de dialogues psychotroniques issus de séries Z plus ou moins obscures (horriblement mal doublées comme il se doit), montés sur une bande-son mêlant fragments de bandes originales, et edits méconnaissables de tracks électroniques  signés par Biosphère, Cosmo Vitelli ou encore Howie B. Un véritable voyage sonore aux confins de l’imaginaire du cinéma de seconde zone, à la fois étrange, loufoque et souvent jubilatoire. A découvrir au plus vite !

« Traumavision est un gigantesque collage cinématographique, composé exclusivement de dialogues extraits de films de séries B, de séries Z et de classiques d’un cinéma de genre souvent méprisé par l’histoire du cinéma. Catcheur mexicain («Santo»), super-héros italien («Flashman»), cannibales, zombies, monstres en tout genre (Godzilla), savants fous, robots menaçants et autres personnages de bidasses issus de comédies érotiques italiennes des années 70 se mélangent et dialoguent entre eux, créant une bande-son irréelle et absurde (…)« 

Album en écoute ici.

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Sacha Baron Cohen récidive en créant le remplaçant de son Borat. Le concept est exactement le même, « l’auteur » se met dans la peau d’un personnage, force la caricature, afin de faire ressortir les plus viles pulsions chez des quidams, américains de préférence. Borat stigmatisait la peur de l’étranger et l’antisémitisme. Brüno s’attaque à l’homophobie, en passant par l’univers de la mode et par le shobiz (voir l’hilarante « interview » d’Harrison Ford).

La comédie burlesque de Sacha Baron Cohen est double tranchant. Prise au premier degré, on rit à gorge déployée pour peur que l’on soit amateur d’humour absurde et de grosses conneries un peu à la mode « Jackass ». Ainsi Brüno se pose systématiquement en némésis de la personne interviewée. Il force à chaque fois la caricature afin de pousser son intervenant dans ses derniers retranchements. Le clou du spectacle arrive quand il s’improvise catcheur en Alabama dans une salle remplie de rednecks chauffés à blanc par le désir de voir deux mecs se mettre sur la gueule. Brüno transforme alors le combat et sur le ring, les deux hommes se roulent des pelles avant de se déshabiller, provoquant l’ire des spectateurs bourrés de testostérone.

Le problème se situe dans les conditions de tournage. On ne sait jamais vraiment comment les gens sont piégés. La plupart du temps, la caméra n’est pas cachée donc les gens se savent filmer et l’on devine que Sacha Baron Cohen a dû organiser un traquernard. Cela n’empêche pas certains de dire des horreurs avec une effrayante spontanéité…

Pour apprécier Brüno, il faudra donc être un peu schizophrène. Bas de plafond pour rire aux énormes farces, il sera aussi nécessaire de prendre du recul pour comprendre quel est le discours de ce provocateur, qui n’est d’ailleurs pas très clair. S’il critique ouvertement certaines stars, on les retrouve à la fin pour une chanson, devenues subitement complices de la farce…

Disponible en dvd et blu-ray chez Sony Picture Home Entertainment.

Le réalisateur australien prend plaisir à jouer les chirurgiens et à user de son bistouri rouillé pour trifouiller les bas-fonds de l’âme humaine. Que ce soit dans The Proposition ou The Road (pas vu Ghosts of the civil dead) , John Hillcoat place ses personnages dans des conditions extrêmes. Tel un anthropologue, il les observe alors se débrouiller dans un univers qui a perdu son système social et ses repères moraux pour différentes raisons.

Dans la route, il s’agit d’un gigantesque cataclysme dont les flammes ont tout ravagé. Il ne reste que quelques survivants et la nourriture a été épuisée. Un père et son fils parcourent les routes, explorent des endroits abandonnés afin de trouver de quoi survivre.

John Hillcoat reprend son style visuel qui faisait le charme de The Proposition. En lieu et place des cartes postales d’outback australien écrasé par le soleil, on trouve ici d’immenses étendues de nature morte. La photographie, grise et froide, noie le récit dans une atmosphère post-apocalyptique à glacer les sangs. Le thème du cannibalisme est traité ici avec réalisme. Certains hommes sont prêts à manger de la chair humaine pour assurer leur survie. Même si c’est un comportement extrême, la question finit par se poser lorsqu’il n’y a vraiment plus rien à manger. Nous sommes très loin du sensationnalisme de Ruggero Deodato et ses tribus indigènes qui festoyent en étripant des touristes aventuriers. Pour autant, La Route propose quelques plans graphiques plutôt choquants.

Mais avant tout, le film évoque avec intensité la relation père-fils, sans la présence de la mère, qui a préféré la mort à la douloureuse survie. Le père est prêt à tout pour que son fils survive. Il est aussi prêt à le tuer avant qu’il ne tombe dans les mains des cannibales. Si ce sentiment de sacrifice est noble, il est aussi source d’aveuglement et de paranoïa. Le père et son fils sont à peu près les seuls garants d’une morale minimum. Car tout est à redéfinir dès qu’ils font une rencontre. Faut-il partager le peu de nourriture restant ? Que faire avec quelqu’un qui veut vous dérober vos biens ? Le film partage un peu la thématique de the mist, de Franck Darabont. On y retrouve aussi un père et son fils, ainsi que d’autres personnages, face à un danger mortel. Ils doivent s’organiser pour faire les bons choix afin d’assurer leur survie. En temps normal, faire le bien ou faire le mal est assez évident, mais face à une mort certaine, ces choix deviennent incertains et difficiles.

La route serait presque une réussite mais on sent qu’il ne va pas jusqu’au bout. Si Viggo Mortensen a visiblement maigri pour les besoins de son personnage, l’enfant n’a bien sûr pas fait les mêmes efforts. Et à son visage bien rond, on voit qu’il mange ses cinq fruits et légumes par jour. Avec un steak de temps en temps. Seule une scène nous dévoile son torse amaigri mais les plans suggèrent l’emploi d’un « body double » (on ne voit pas la tête, puis on ne voit que le dos). Cela reste un détail qui dérange, tant le reste du film, et notamment les décors, font leur effet. Certaines scènes auraient demandé à être approfondies comme le passage où une mère et sa fille sont poursuivies par des cannibales et qui ne donnera même pas lieu à une discussion entre les deux personnages principaux. La scène finale insiste un peu trop sur le pathos, et en rajoute trop sur les dialogues larmoyants. Peut-être est-ce là le prix à payer pour un film commandé par Dimension Films, des producteurs pas forcément intéressés par un film totalement noir.

Actuellement dans les salles.

Phantom of the paradise est peut-être un des rares films cultes à ne pas galvauder le terme. Privé de grand succès lors de sa sortie en salles, le film de Brian de Palma a finalement trouvé ses fans sur le long terme. L’oeuvre se voit et se revoit, en se bonifiant tel un bon vin. On se demande au final si ce n’est pas tout simplement un film parfait. Le récit, très dense, contient de nombreuses références musicales et énormément d’idées de mise en scène. D’ailleurs, De Palma peine aujourd’hui à se renouveler. Comédie musicale, satire sur le show-business, film de monstre, film fantastique, thriller avec serial killer, comédie burlesque, drame intimiste, tragédie romantique shakespearienne, le film est tout cela à la fois et c’est ce qui le rend indémodable.

A l’heure où le gouvernement tente de traquer l’internaute voleur de musique, le discours de Phantom of the Paradise peut paraître étrange. Car ici c’est Swan, le producteur/agent/magna qui vole la musique d’un artiste inconnu afin d’en tirer profit. Swan pourrait aujourd’hui représenter les majors, prenant la musique pour maximiser le profit grâce à d’obscurs contrats.  Brian De Palma souligne qu’il y a toujours eu des tensions entre ceux qui créent de la musique et ceux qui l’exploitent. Mais comme le dit également Brian, aujourd’hui les artistes ne sont plus à la rue mais sont multi-millionaires. Enfin… Cela dépend lesquels. L’économie des oeuvres culturelles est un problème complexe.

Phantom of the paradise est aussi un pur plaisir pour les oreilles grâce à la profonde implication du compositeur Paul Williams, jouant le rôle de Swan justement. C’est amusant car en quelque sorte, il vole sa propre musique ! On appréciera beaucoup le jeu des genres musicaux car la musique de Winslow Leach est adaptée et « remixée » suivant la mode afin de plaire au plus grand nombre. Au point qu’une chanson finit par être interprétée à la façon hard rock, par un chanteur à la sexualité et au look troubles.

On ne compte plus le nombre de scènes cultes dans le film. Des scènes tout simplement très fortes et mises en scène avec génie. Chaque apparition du « phantom » est un grand moment, soit de rire, soit de terreur. L’intensité va crescendo jusqu’à cette scène finale dantesque, C’est aussi l’occasion de découvrir le premier rôle de Jessica Harper, future héroïne du Suspiria de Dario Argento. On trouve également au générique une certaine Sissy Spacek qui officie en tant que costumière et qui deviendra Carrie deux ans plus tard, réalisé par Brian De Palma.

Le passage en HD est réussi même si, sans doute à cause de l’âge du film, on ne peut pas s’attendre à des miracles. Le gain est notable dans les détails (on peut lire les partitions) et dans les arrière-plans (De Palma fait en sorte qu’il s’y passe souvent quelque chose). Rien de neuf par contre du côté du contraste. Les couleurs paraissent un peu délavées mais il n’y a sans doute pas meilleure source. Il y a aussi quelques fourmillements par moment, mais cela paraît être le grain de la pellicule.

Au niveau sonore, c’est une bande son stéréo un peu plate (manque de basse et de dynamique) qui nous est proposée. Là encore, la technologie de l’époque est certainement le facteur limitant. Quelques effets discrets sur les hauts-parleurs arrières ont été ajoutés.

Le documentaire Phantom of the paradise regained est très intéressant car il a été tourné récemment. On revoit donc tous les acteurs quelque trente-cinq ans plus tard. Tous les intervenants reviennent avec enthousiasme sur les conditions de tournage et l’atmosphère qui régnait à l’époque. Ils racontent également quelques anecdotes qui nous permettent de voir le film différemment.

Caractéristiques du blu-ray (première mondiale !) :

● Film avec nouveau master haute définition

● Présentation du film par Gerrit Graham (50’’)

●  » Paradise Regained  » : témoignage de Brian de Palma ( réalisateur), Paul Williams (acteur et créateur de la musique), Jessica Harper, Peter Elbling, Gerrit Graham, William Finley (comédiens), Ed Pressman (producteur), Paul Hirsch (monteur), Larry Pizer (directeur photo)

● Carte Blanche à Rosanna Norton, costumière (45’)

● Fausse pub du film par William Finley, comédien (45’’)

● Deux films annonces (1’ et 2’)

Sortie le 1er décembre chez Opening.

Apparues à New York au milieu des années 90, les communautés vampyriques (avec un y pour les distinguer des créatures de fiction) se sont depuis développées comme une traînée de poudre à travers le monde : New York, Amsterdam, Tokyo, Venise, Paris, La Nouvelle-Orléans… À chaque grande ville ses clans, ses rituels et ses secrets, souvent loin de l’image désuète propagée par la fiction. Journaliste freelance bien connu des amateurs de mouvances underground (pour son fameux webzine La Spirale et son anthologie Mutations pop et crash-culture), Laurent Courau enquête sur le phénomène depuis 2002. Dans son documentaire Vampyres, sorti fin octobre, il retrace étape par étape son immersion dans ce milieu hors norme, habituellement rétif à toute forme de médiatisation. Parmi ses rencontres les plus surprenantes, le clan des Hidden Shadows, situé en plein cœur du quartier de Spanish Harlem, à New York, et majoritairement composés de blacks et de latinos tatoués et adeptes d’arts martiaux. Un monde étrange et fascinant, quelque part entre Blade et Les Guerriers de la Nuit…

Disponible chez l’éditeur Le Chat Qui Fume