Deuxième long-métrage de l’espagnol Elio Quiroga, qui a avait réalisé Fotos en 1996 et, depuis, a fait Les Témoins du mal (présenté au festival de Gérardmer en 2010), The Dark Hour se veut comme un film d’anticipation et d’horreur. Le film possède tous les ingrédients pour faire une œuvre intéressante ou simplement divertissante : des personnages éloignés des stéréotypes du genre (ici ce sont des femmes qui établissent l’ordre au sein de la communauté et qui prennent les initiatives) dont un jeune garçon d’environ dix ans et une ado de dix-sept, des relations humaines parfois complexes, un lieu inquiétant, des prédateurs qui pourraient effrayer et un mystère total planant sur ce qui se passe à l’extérieur de cet immeuble. Et il est raconté de deux façons différentes : de façon « traditionnelle » et au travers du caméscope du jeune garçon, nommé Jésus, qui lui a été confié par un vieux type vivant en retrait de la communauté et qui s’appelle… Judas.

« S’il se la joue Dante 01 avec ses références bibliques à deux kopecks, je m’égorge avec mon Paris Match. »

Le film possède des ingrédients attrayants, mais les exploite mal : sa lenteur, qui a l’ambition de donner un aspect observateur autour du quotidien de la communauté, handicape malheureusement le film tant sa réalisation est parfois trop proche du film télévisé. The Dark Hour est plan-plan (excepté pour la séquence finale) et l’utilisation du caméscope témoigne d’une forme de facilité. Le rôle de celui-ci n’étant pas vraiment défini : Jésus lui raconte très superficiellement sa vie et filme de temps à autre les autres membres de la communauté comme en guise de présentation. Seulement, la méthode « traditionnelle » s’en était déjà chargée, ce qui donne trop de temps au film pour démarrer.

Et lorsque l’action commence, la frustration ne reste pas à désirer : quelques jump scares inutiles (sans pour autant en abuser), des monstres invisibles qui gèlent les murs et remuent les portes, des zombies à la Romero très peu mis en valeur et pas vraiment convaincants. De plus, la transmission du virus est pour le moins ridicule : si un zomblard te touche, t’es contaminé ; c’est comme jouer à chat perché. C’est original, certes, mais le résultat est mou comme une cérémonie des Césars. Les effets spéciaux, quant à eux, ne sont pas trop dégueulasses, mais les ajouts numériques se repèrent parfois trop facilement malgré quelques bonnes idées.

Les personnages sauvent plus ou moins le film parce qu’ils ont chacun une personnalité et un rôle assez bien défini au sein de la communauté. Tous les personnages adultes cachent aux enfants le véritable secret de cette guerre, excepté Judas, qui tente de leur fournir une explication malgré la volonté de la communauté. Les relations demeurent souvent problématiques, l’instinct sexuel de l’adolescente commence à faire (gentiment) éruption, et les personnages essayent de reproduire dans cet immeuble ce qui faisait leur vie d’autrefois (regarder la télévision ou un film, donner des cours aux enfants, filmer ses ébats amoureux…). A la question de Jésus « Pourquoi on doit aller en cours ?« , l’une des dirigeantes de la communauté répond « Parce que vous êtes des enfants et que c’est comme ça » ; même le manque de remise en question est reproduit.

« Putain, j’aurais dû attendre qu’elle ait ses dix-huit ans… »

Elio Quiroga semble lancer un regard assez critique sur le quotidien de sa communauté, mais son discours ne parvient pas à aller jusqu’au bout et se trouve être flou jusqu’à la fin du film. Comme la référence à Jésus et Judas qui reste très superflue, la dernière séquence a beau y donner un certain sens, elle ne demeure pas nécessaire. Il en est de même pour le personnage de l’enfant qui vit dans l’ignorance totale de la communauté : d’où sort-il ? à quoi sert-il ? En effet, The Dark Hour est plutôt généreux en termes de zones floues, même la provenance des munitions des armes reste mystérieuse.

Cependant, il y a la séquence finale qui expose un twist surprenant d’un pessimisme assez lucide. Le seul regret de cette fin est de nous laisser avec beaucoup trop de points d’interrogations sur ce qui s’est vraiment passé.

Dommage, car The Dark Hour est un DTV avec de belles opportunités, mais qui demeurent inexploitées, et qui a le mérite de prendre certains risques, mais il ne parvient jamais à faire comprendre clairement son propos étant donné que le film n’est pas un prétexte à l’action.

Le dvd édité par M6 Vidéo n’est pas non plus très bandant : l’unique bonus autour du film est une vidéo muette de 7 minutes peu intéressante comparant les plans originaux et les plans modifiés sur ordinateur. Les autres bonus sont simplement trois bande annonces de films  sortant chez le même éditeur (nous n’avons même pas droit à une bande annonce de Dark Hour).

Oui bon…

The Rebel se déroule dans les années 1920, des rébellions éclatent au Vietnam pour empêcher la domination française, mais la puissance coloniale met en place des groupes d’autochtones. Lo Ven Cuong est censé assassiner un leader de la résistance, mais la rencontre avec la fille de celui-ci, une experte en arts martiaux, va chambouler ses plans, ses sentiments, ses idées…

Réalisé par Truc ‘Charlie’ Nguyen (oui, c’est bien son nom) qui a débuté en réalisant quelques clips musicaux, des documentaires et une comédie romantique (Chances are), il fera appel à son frère, Johnny Tri Nguyen, pour écrire avec lui le scénario de The Rebel et en tenir le rôle principal. Pour Johnny Tri Nguyen, étant cascadeur professionnel (il a participé à Spiderman 1 & 2, Jarhead ou encore Collateral) et spécialiste en arts martiaux, cette opportunité ne pouvait être qu’intéressante : tourner sous la caméra de son frère dans son pays natal sur un projet ambitieux, avoir la possibilité de toucher un mot sur le scénario et la réalisation du film, avoir la chance de tenir son premier grand rôle au cinéma en tant qu’acteur, exploiter ses talents en arts martiaux et toucher le public vietnamien en abordant un sujet sensible.

« Vous auriez vraiment mieux fait de rendre mon peigne. »

Tenté d’être plein d’espoir envers cette découverte, il serait bien plus raisonnable de visionner The Rebel en n’attendant rien de plus qu’un simple essai. L’ enthousiasme s’atténuant peu à peu au fil des séquences, le film veut être à la fois un film d’action et un film historique, mais il perd malheureusement l’équilibre. Le côté historique est laissé de côté pour privilégier l’action, ce qui n’est pas pour nous déplaire, mais c’est la réalisation qui trébuche. Les gunfights sont sanglants au minimum et les combats ont beau être parfois impressionnants et bien filmés, ils sont aussi parfois brouillons : on peut passer d’un superbe kick à un coup de tête qui ne ressemble à rien et qui n’aura même pas, très visiblement, touché sa cible (mais parviendra à l’assommer miraculeusement).  Sans oublier que ces séquences demeurent parfois tellement bouffés par un montage mal branlé façon Banlieue 13 (en moins pire, quand même) qu’on finit par ne plus pouvoir profiter pleinement des prestations physiques de ses acteurs. Lorsque le film surprend agréablement, il déçoit aussitôt, comme si nous passions d’un réalisateur à un autre (ce qui ne serait pas impossible puisqu’il parait que certaines séquences ont été réalisées par Johnny Tri Nguyen lui-même).

The Rebel agace aussi à cause de son lyrisme beaucoup trop appuyé : quelques violons viennent nous casser les oreilles sur une séquence d’amour loin d’être surprenante et des scènes dramatiques bien trop soft pour être vraiment percutantes. La morale du film, qui dénonce les dangers de la corruption et se trouve être contre la perte de certaines valeurs, aurait pu être intéressante, mais elle est amenée par des ficelles bien trop superficielles pour être vraiment entendue.

A ressortir en cas d’infanticide.

Mais il serait bête de cracher méchamment sur cet essai pour la simple raison  qu’il reste un projet sincère et pourrait ainsi donner suite à une vague cinématographique intéressante pour le Vietnam qui tente de devenir de plus en plus engagé malgré le joug d’une censure attachée aux idéologies de son gouvernement qui empêche cet art de s’exprimer sur des thèmes éloignés de ceux imposés par la ligne politique. Bien qu’en soi le film ne soit pas très bandant, il gagne un pari rassurant : faire entrer le public vietnamien dans les salles de cinéma pour voir un film vietnamien – la population vietnamienne s’étant détournée des productions de son propre pays pour privilégier les productions américaines et hongkongaises. La popularité de The Rebel au sein de son pays d’origine permet de percevoir une petite lueur d’espoir sur le cinéma de celui-ci à condition, bien sûr, que d’autres réalisateurs veuillent bien prendre les mêmes risques que les frères Nguyen.

En France, The Rebel n’aura pas connu de sortie en salles, M6 Vidéo s’étant chargé de le sortir directement en dvd avec de (trop) courts bonus : une interview de Johnny Tri Nguyen qui retrace son parcours sans trop aborder The Rebel (avec un sous-titrage pas du tout synchronisé), une scène coupée qui mérite bien son destin et une démonstration d’arts martiaux présentée et exécutée par Johnny Tri Nguyen.  Dernière vidéo intéressante, mais non sous-titrée (!), et parfois plus impressionnante que la plupart des séquences d’action de The Rebel (l’absence de montage n’y est pas pour rien).

2Be3 nouvelle génération.

On vous avait présenté sa bande-annonce il y a bientôt deux ans, et bien ça y est, l’exceptionnel documentaire de Mark Hartley Not Quite Hollywood, consacré aux heures de gloire du cinéma d’exploitation australien, est désormais disponible en France, chez MK2 Edition.

Starlettes dénudées, bikers furibards, animaux mangeurs d’hommes, meurtriers à la machette, courses-poursuites démentielles, kung-fu approximatif, érotisme de pacotille… Si le cinéma de genre Australien se plie volontiers à la Sainte Trinité Sexe/Action/Horreur, il n’en possède pas moins ses caractéristiques propres. A commencer par une durée de vie particulièrement limitée : apparu à la fin des années 60 suite à la création de la catégorie Restricted (interdit aux moins de 18 ans), il a commencé à décliner dès la fin des années 80 (avec l’apparition du marché de la vidéo) avant de reprendre enfin un peu de vigueur au milieu des années 2000, avec le succès à l’international de métrages comme Undead, Wolf Creek, Black Water ou Solitaire (Rogue).

Une petite vingtaine d’années donc, qui ont permis l’émergence de quelques perles du fantastique signées Peter Weir (Pique-nique à Hanging Rock, La Dernière Vague, Les voitures qui ont mangé Paris…), mais également de toute une vague de films beaucoup plus bis, réalisés par des réalisateurs peu soucieux des conventions et prêts à tous les sacrifices pour voir leurs créations cheap et improbables projetées sur les écrans des drive-in locaux.

Sexy comédies beauf et lourdingues (Stork, The Adventures Of Barry McKenzie, Alvin Purple…), tonnerres mécaniques (Road Games, L’Homme de Hong-Kong, Mad Max, Midnite Spares…), mondo locaux (Australia After Dark) films de vampires (Thirst), de crocodiles (Dark Age), de sangliers (Razorback), rape’n'revenge (Fair Game), ovnis inclassables (Patrick, Harlequin, Le Survivant d’un monde parallèle…), nanars incurables (BMX Bandits Les Traqués de l’an 2000)… C’est tout un pan d’une filmographie méconnue qui se dévoile progressivement, avec son lot de réalisateurs aventureux, d’acteurs de seconde zone, de cascadeurs têtes brûlées, et de moments de grâce inespérés (Wake In Fright, Stone, Long Weekend…).

Porté par un montage extrêmement cut, enchaînant sans temps mort entretiens, extraits de films et séquences d’archives, Not Quite Hollywood impressionne également par la richesse de ses intervenants (Jamie Lee Curtis, Dennis Hopper, George Lazenby, Stacy Keach, Richard Franklin, Ted Kotcheff, George Miller, Russell Mulcahy, Brian Trenchard-Smith… sans oublier un rayonnant Quentin Tarantino, visiblement euphorique à l’idée de pouvoir défendre quelques uns de ses métrages préférés). En rappelant le contexte économique, culturel, politique et social dans lequel cette frange « autre » du cinéma s’est épanouie à l’orée des années 70, mais également en lui donnant vie à travers d’innombrables comptes-rendus de tournage et anecdotes variés, ils donnent au final au documentaire de Mark Hartley une profondeur inattendue.

Véritable constellation de films déviants, explosifs et déjantés, plus volontiers sortis sur les écrans des drive-in que dans les salles d’art et d’essai européennes, la frange « honteuse » du cinéma aussie a réussi, à sa modeste façon à trouver sa place dans l’histoire du cinéma de genre mondial. De ses premiers pas timides à la fin des années 60, au déferlement de violence et à la radicalité aventureuse des années 70, en passant par toute la phase bis et déviante des années 80, elle n’aura eu de cesse de défier les conventions en cours, par conviction de temps à autre, mais surtout par roublardise la plupart du temps. Not Quite Hollywood lui offre enfin la tribune qu’elle méritait de longue date, et on ne sera pas les derniers à s’en réjouir.

Not Quite Hollywood, de Mark Hartley (MK2 Editions)

Suppléments : Entretien avec Quentin  Tarantino et Brian Trenchard-Smith, Grant Page, cascadeur explosif, Bande annonce

Site officiel : www.notquitehollywood.com.au

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1. Not quite Hollywood : Ozploitation rules ! Premier documentaire consacré au cinéma d’exploitation australien des années...

Bienvenue à Zombieland, de Ruben Fleischer

Là ou tant de films se content d’exploiter un twist à la con jusqu’à plus soif (zombies sous la neige, zombies teenagers, zombies strip-teaseuses, zombies nazis, à quand les zombies ninja ?), Ruben Fleisher, jeune réalisateur ayant fait ses armes à la télé, a vu les choses en grand. Mélange de film d’action, d’horreur, de buddy movie et de comédie sentimentale, Bienvenue à Zombieland, sorti en salles l’automne dernier et depuis peu disponible en DVD, joue en effet le tout pour le tout, mais réussit à emballer ces différentes facettes au sein d’un univers cohérent, original et respectueux du genre. Que demander de plus ? Un duo d’acteurs doués et charismatiques (le trop rare Woody Harrelson et l’excellent Jesse Eisenberg, déjà repéré dans Adventureland) ? Check. Un rythme échevelé enchainant sans répit, scènes d’humour, d’action, d’émotion, et d’horreur pure ? Check. Un générique au ralenti sur le For Whom The Bell Tolls de Metallica ? Check. Un climax final au sein d’un parc d’attraction rempli à craquer de zombies ? Check.

On pourrait continuer encore longtemps comme ça (une apparition du génial Bill Murray dans son propre rôle ? Ch… ), mais ce serait passer à côté du principal. Ce qui fait tout le sel de Bienvenue à Zombieland, c’est avant tout son postulat de départ, selon lequel, en cas d’invasion de zombies généralisée, les individus les plus aptes à la survie seraient les plus inadaptés à la vie quotidienne en société. En l’occurrence, un jeune geek sensible et solitaire, et un redneck misanthrope accro aux Twinkies et aux armes à feu, rapidement rejoints par deux jeunes et belles arnaqueuses… En transformant progressivement son armada de freaks asociaux en communauté soudée et solidaire, Ruben Fleisher réussit à introduire avec succès humour, tendresse et émotion dans l’univers a priori hardcore du zombie flick, sans renier ses fondamentaux pour autant (univers glauque, quête désespérée, gore à outrance…). Un pari pas forcément gagné d’avance, mais dont le réalisateur s’acquitte ici brillamment, comme avait déjà su le faire Edgar Wright avec son Shaun of The Dead il y a bientôt 6 ans. Ce qui, mine de rien, n’est pas une mince référence…

DVD édité par Sony Pictures Home Entertainement.
Bande-annonce disponible ici

World War Z, de Max Brooks

Déjà auteur d’un remarqué Guide de survie en territoire zombie, et accessoirement fils du réalisateur Mel Brooks, le romancier Max Brooks signe avec World War Z. Une histoire orale de la guerre des zombies, un haletant récit d’anticipation, digne des meilleurs films du genre. Présenté comme la version non expurgée d’un rapport de l’ONU réalisé 12 après la Guerre des Zombies, World War Z est ainsi constitué d’une succession d’entretiens fictifs avec des survivants du cataclysme mondial, qu’ils y aient joué un rôle majeur, ou qu’ils en aient été de simples et anonymes témoins. Regroupés en différents chapitres classés par ordre chronologique (Premiers Symptômes, La Faute, La Grande Panique…), ces différents témoignages permettent au lecteur de reconstituer progressivement les évènements en filigrane, et à l’auteur de varier les registres de récit (angoisse, horreur, action, suspens) ainsi que les profils sociologiques abordés (militaires, scientifiques, politiques, gens du peuple…). Un dispositif narratif astucieux, qui permet par ailleurs à Max Brooks de développer le deuxième point fort du roman : son angle d’approche. En abandonnant le principe du petit groupe de survivants assaillis et la description de leur évolution psychologique progressive, il a en effet tout loisir de développer une trame globale complexe à souhait, où les rapports  géopolitiques entre pays pauvres et pays riches jouent un rôle clé dans la propagation de l’infection zombie. Alors certes, World War Z reste au final plus proche du divertissement intelligent que du véritable pamphlet politique sans concession, il n’en reste pas moins que le livre devrait s’imposer sans mal comme un des futurs maitres-étalons de la littérature zombiesque. C’est dit !

Livre édité par les éditions Calmann Lévy

Crossed, de Garth Ennis & Jacen Burrows

Encore assez marginale dans la bande dessinée européenne, la figure du zombie occupe à l’inverse un part non négligeable du marché du comics américain. Si quelques titres phares du genre comme Walking Dead ou l’iconoclaste  Marvel Zombies sont déjà disponibles en version française (respectivement aux éditions Delcourt et Panini Comics), l’une des œuvres les plus abouties du genre, Crossed, de Garth Ennis et Jacen Burrows (édité aux Etats-Unis chez Avatar) reste à ce jour scandaleusement inédite en France. Bien connu des amateurs de comics hardcore et sans concession, Garth Ennis est un scénariste irlandais à l’origine de fleurons comme la série culte Preacher chez Vertigo , et l’auteur d’un des runs les plus haletants de la série Punisher (dans la collection Marvel Max). Sa marque de fabrique : un dégout affiché pour le politiquement correct, une attraction sans limite pour les univers sombres et les facettes les plus noires de l’être humain, et enfin une propension innée à imaginer les scènes de violence et de sexe les plus outrancières possibles. Ce contexte posé, on comprendra rapidement, que Crossed, décrit par son auteur comme « le récit le plus extrême et le plus dérangeant qu’il ait jamais écrit » (sic), n’est pas un comics comme les autres. Et ce bien au-delà de la simple dimension « choc » de l’œuvre. Si massacres, viols collectifs, tortures et mutilations diverses sont en effet bien présents tout au court du récit, ce dernier s’apparente paradoxalement plus à une errance désespérée dans la ligne du roman La Route de Cormac McCarthy qu’à un stupide torture porn version comics. Dans Crossed, les zombies ne sont pas morts, ce sont simplement des humains dont une curieuse épidémie n’a laissé intacte que la part la plus sombre de leur psyché. Traqués sans relâche à travers les Etats-Unis, quelques survivants vont néanmoins tenter de rester envie, tout en conservant un semblant de santé mentale. Une quête évidemment vouée à l’échec… Sobre, sèche, froide et intelligente, la série impressionne surtout par sa capacité à instaurer un climat de tension permanente, réduisant à quelques cases seulement les déferlements d’ultra-violence pour mieux en renforcer l’impact. Si lire un comics en anglais ne vous rebute pas trop, l’achat de l’intégrale de la série sur le net (240 pages, 20 € environ) est vivement recommandée.

Plus d’infos ici

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En effet, certains fans ont boudé cette suite parce qu’elle dit clairement : « Non, [Rec] n’était pas qu’un film de zomblards sprinteurs, bande de cons, on va vous surprendre ! » En restant fidèle à la fin du premier volet qui survolait l’histoire de cette enfant possédée par un démon et séquestrée dans un appartement glauquissime par une sorte de savant fou, [Rec] 2 se révèle comme un mixe entre 28 jours plus tard et L’exorciste. Pourquoi pas ?

Sachant que Jaume Balaguero et Paco Plaza n’étaient pas tout de suite partant pour donner suite à [Rec], la motivation provenant essentiellement des questions qui leur ont été posées à plusieurs reprises concernant une éventuelle suite (d’après les propos des réalisateurs dans le Making of de [Rec] 2), ce second chapitre s’avère être très malin parce qu’il met au clair toutes les zones floues que pouvait laisser le premier. L’hésitation de la première contaminée avant de se jeter sur sa proie (« Mais pourquoi c’est la seule qui hésite alors que les autres foncent direct ? ») ou encore le gamin qu’on rencontre brièvement à la fin du film dans l’appartement de la possédée (« Mais pourquoi il n’apparaît plus dans cette séquence ? Où est-ce qu’il est passé ??? ») sont, par exemple, les points d’interrogations auxquels cette suite répond de manière cohérente et très efficace. Chaque « contaminé » étant en fait possédé par un autre corps, leurs réactions et leurs actes sont dirigés par cet élément infiltré, et l’appartement de la fille possédée dissimule beaucoup de secrets.

Bien que cette saga annoncée s’éloigne peu à peu du film de zombie façon Zack Snyder, son évolution est des plus intéressantes sans qu’elle ne rompe avec ce qui a fait le succès de son premier volet : l’intensité provoquée par la caméra subjective. [Rec] fait l’effet d’un train fantôme, le spectateur s’identifie au caméraman qui a atterri dans ce cauchemar sans le vouloir et craint ce qui peut se cacher derrière chaque porte ; [Rec] 2 est plus proche du jeu vidéo, le spectateur s’identifie toujours à un caméraman qui, cette fois-ci, porte une arme et est censé exploser ces foutus possédés. Avouées par Jaume Balaguero, les références de cette suite sont surtout les jeux vidéo Doom et Quake. Mais le véritable tour de force faisant partie de ce procédé s’appelle Pablo Rosso, directeur de la photographie ayant travaillé pour le sous-estimé Saint Ange de Pascal Laugier et s’étant glissé dans la peau du caméraman Pablo sur [Rec] (et celle de… Rosso sur [Rec] 2). Pablo Rosso parvient à créer un éclairage subtil donnant à [Rec] toute son ambiance inquiétante et particulière, et sa visibilité irréprochable malgré le procédé réaliste et parfois casse gueule de la caméra subjective.

Les personnages du film, pour la plupart des flics bien évidemment dépassés par les événements, sont traités de manière à ce qu’ils soient proches du spectateur. La séquence d’intro les montre en train de parler de foot, ce qui permet bêtement de gagner la sympathie du public (enfin, en partie) pour donner une autre dimension réaliste au-delà de son procédé technique. Le personnage le plus intéressant est celui du prêtre (qui se faisait passer pour un médecin auprès de la brigade et qui sert vraiment à quelque chose !) qui est le seul à savoir ce qui se passe réellement, à savoir comment y mettre fin et à pouvoir donner l’ordre d’évacuer l’immeuble. Ni un personnage plaisant, ni un personnage antipathique, il est un visage complexe incarnant la connaissance de l’origine de ce cauchemar. En bref, nous sommes très loin du prêtre-meuble de Paranormal Activity.

Malgré ces qualités, [Rec] 2 possède un bémol, ou plutôt une décision qui mériterait un petit débat : l’utilité de ses personnages adolescents. Avec ces personnages, Balaguero et Plaza ont dit vouloir faire un clin d’œil à Internet et notamment à la vague YouTube, comme ils l’avaient fait pour la télévision dans le premier [Rec]. Sauf que dans ce dernier, le clin d’œil tenait un propos intéressant, tandis qu’ici, il ne sert pas à grand-chose tant il semble être un prétexte pour que la jeune génération se retrouve aussi dans [Rec]. En bref, il s’agit du souci de plaire. A moins que Balaguero et Plaza aient voulu tenir la dimension réaliste de leur film jusqu’au bout en montrant simplement que le monde continue à tourner à l’extérieur de cet immeuble, mais qu’il se pose aussi plein de questions et que, dans cette situation, il peut bien y avoir des petits cons trop curieux voulant faire parler d’eux grâce à une vidéo-scoop ? Ce qui, en soi, ne serait pas négligeable parce que ce serait un reflet malheureusement juste d’une partie de la jeune génération actuelle. Pourquoi pas ? Mais ce parti pris scénaristique ne demeure pas très convaincant pour la simple raison qu’il ne sert que très peu à l’action du film, voire pas du tout.

Au final, [Rec] 2 reste une suite honorable et maligne, un sympathique film d’action et d’horreur trébuchant quelques fois, mais se relevant grâce à quelques bonnes idées scénaristiques et une réalisation intelligente ne trahissant jamais son précédent volet.

L’édition prestige éditée par Wild Side offre dans son premier dvd un aperçu des décors dans une vidéo de dix minutes et quelques scènes coupées qui ne valent pas vraiment la peine d’être vues. Le deuxième dvd est beaucoup plus intéressant puisqu’il propose un Making of de près de deux heures dévoilant tous les défis techniques du film, comme par exemple le fait que la plupart des acteurs, tout en interprétant leur personnage, ont dû éclairer eux-mêmes certaines séquences sous les conseils de Pablo Rosso. Mais il donne aussi l’occasion de profiter pleinement des différents maquillages qui sont, au final, très peu vu dans le film à cause de sa spontanéité en termes de réalisation. Jaume Balaguero et Paco Plaza font aussi partager leur point de vue sur le film. Le Making of terminé, vous pourrez vous jeter sur 52 minutes supplémentaires d’images du tournage qui ne font que rallonger le documentaire. En bref, une édition qui satisfera tout fan de Making of.

Jaume Balaguero parie ses Playmobil que [Rec] 3 remportera plus de Goyas que L’orphelinat.

Le film est disponible chez Wild Side depuis le 6 juillet en dvd et en blouré. L’éditeur offre au lectorat de Cinétrange la possibilité de gagner deux dvd du film.

Pour se faire, point de QCM ou de question chiffrée. Il faudra livrer un titre et un synopsis de film catastrophe, à poster en commentaire du présent article. Les contraintes : l’action doit se dérouler en France dans un camp de nudistes. Il devra y avoir au moins trois personnages marquants interprétés par : Paul Preboist, Katie Holmes et Udo Kier. Le titre devra comporter le mot « jour ».

Date limite : 31 juillet 2010.

Rencontre avec Hormoz photographe et réalisateur du film J’ai rêvé sous l’eau, maintenant disponible en DVD

en présence de Caroline Ducey, Christine Boisson, Hicham Nazzal et HPG

Élève studieux mordu à 16 ans par le virus du cinéma d’horreur, Hormoz fait ses premières armes avec des courts-métrages super 8 et la peinture.

À 22 ans, il s’essaye à la photo et obtient ses premières publications presse et expositions. Ses images se teintent alors d’un érotisme morbide et surréaliste. Après un troisième court-métrage Les lèvres bleues en 1997, sélectionné dans de nombreux festivals, Hormoz approfondit son travail sur le corps et ses déformations notamment avec l’installation en galerie du projet « Bestial ». Parallèlement il arpente et photographie le monde du nightclubbing pour plusieurs revues.

J’ai rêvé sous l’eau est son premier long-métrage. Il est sorti à ce jour dans six pays et continue de voyager en festival.

Antonin a vingt ans, il erre dans le nord de Paris et sa banlieue; un mélange de no man’s land et de quartiers populaires voués à la démolition, une ville nocturne, caniculaire et fantomatique.

Il a besoin de se réfugier dans les bras du premier venu juste pour frissonner d’une nouvelle vie, se construire, devenir adulte. Oublier ne serait ce qu’un moment la mort de son amoureux, s’adonner à toujours plus de sexe pour soigner ses plaies sentimentales, ses désirs trop longtemps refoulés

Le belge Philippe Van Leeuw réalise là son premier film. Auparavant, il fut directeur photo chez Brunot Dumont et cela se voit. Il laisse traîner sa caméra, simple témoin d’un voyage sans retour du personnage principal. Le réalisateur filme avec épure une nature totalement insensible aux malheurs des hommes. Cet excès de verdure, une vie végétale abondante, est presque indécent face aux atrocités se déroulant juste à côté. La violence n’est pas montrée de manière frontale, ce qui n’empêche pas d’assister à quelques séquences éprouvantes. On pourra citer la scène où Jacqueline est réfugiée dans le grenier, entendant de manière étouffée les pillages dans la maison et les exécutions dans le village. On est littéralement enfermés avec elle, priant pour que les assaillants n’aient pas l’idée de venir voir sous les toits. Le travail sonore est d’ailleurs remarquable. L’autre scène marquante est la découverte de ses enfants, dont les corps sont traités par les agresseurs comme de simples détritus. Là encore, Jacqueline voit la scène de loin et nous sommes avec elle, impuissants. L’image récurrente de la machette a un rôle important dans le film, et symbolise à elle seule la barbarie du massacre.

La mise en scène est sobre car le but ici n’est pas de créer la polémique, ni de faire une reconstitution chronologique d’un conflit encore mal connu chez nous, quinze ans après. Le réalisateur n’opte donc pas pour une illustration spectaculaire (il n’y a quasiment pas de musique) mais il ne verse pas non plus dans le pathos, filmant malgré tout la jungle comme elle est, avec des couleurs châtoyantes, sous le soleil.

Sous des aspects de « film d’auteur » intimiste (Jacqueline est présente dans la majorité des plans), le déroulement des événements s’apparente à un « survival » réaliste, au sens premier du terme. Comment survivre dans la jungle alors qu’un génocide est en train de se dérouler ? D’un point de vue psychologique, le jeune femme cherche vainement une raison de continuer à vivre. Elle va rencontrer un homme blessé, tutsi lui aussi. Elle va le soigner avec les moyens du bord qui sont extrêmement limités. Dénué de toute chose, le couple s’apparente alors à Adam et Eve. Bientôt, on y voit un espoir de retour à la normale.

Les causes du génocide au Rwanda sont complexes (voir la longue page wikipedia). Faire un film sur le sujet est donc une chose très délicate et Van Leeuw a pris le parti raisonnable de regarder par le petit bout de la lorgnette. Le film n’a pas l’ambition de décrypter outre mesure. A travers l’intime, il propose simplement d’apporter sa pierre à l’édifice, afin de comprendre au moins un petit peu la situation à l’époque… Seul choix étrange, celui de faire parler les victimes en français et les bourreaux en kinyarwanda, la langue nationale.

Réalisé par Philippe Van Leeuw. Avec Ruth Nirere, Afazali Dewaele. Disponible en dvd chez MK2. Crédits photos : Les Films du Mogho-Artémis-LC

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1. Aguirre, la colère de Dieu, ressort dans les salles Le film événement de Werner Herzog ressort sur les...

Une jeune autostoppeuse attend sur le bord d’une route sombre. Un homme en voiture décide de s’arrêter pour la faire monter.
À ce moment précis, la jeune femme ne sait pas encore avec qui elle se trouve mais sa vie en sera vite bouleversée.
Quel secret cache donc le visage de cet homme : hallucination, schizophrénie ou machination ?

Réalisateur: Marc Dray. Production: France – 2009. Avec: Christophe Lafargue, Clémentine Decremps, Frédéric Aubry, François Remigi, Laurent Bonnard…

Fiche Technique : DVD 9 – Zone 2 – Digipack limité à 1000 Exemplaires. Format: 16/9 compatible 4/3. Durée: 44′. Langues: Français. Sous-titres: Anglais, Italien, Espagnol, Français

Bonus
- Bande originale du film (10 titres)
- Entretien avec Marc Dray (28′)
- Entretien avec ABBERLINE (13′)
- «Les Infilmables» : Courts-métrages «Model» & «Hapiness»
- Bande-annonce
- Galerie photos
- Bandes-annonces éditeur

Le DVD est dès à présent disponible en pré-commande à tarif réduit sur le magasin en ligne.

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1. Spécialité du chef, en dvd Un Homme a disparu depuis plusieurs jours. Sa femme...

Synopsis

Le chef d’un gang de motards s’arrête dans une petite ville de Floride alors qu’il est en route pour une course à Daytona. Ces bikers vont se heurter à la population locale.

Critique

Premier long métrage de la très mésestimée Kathryn Bigelow (Aux frontières de l’aube est l’un des plus beaux films de vampires de tous les temps), ex-lady de James Cameron et auteur de quelques-uns des meilleurs films du cinéma américain musclé (Point break,  Strange days), The loveless est resté inédit en France et même en vidéo jusqu’à aujourd’hui. La sortie tardive de cet objet inclassable à mi chemin entre l’exercice de style avant gardiste et le pur cinéma d’exploitation,  permet au moins de reconsidérer le cas Bigelow. Considérée un peu vulgairement comme une fille qui en a, entendez par là qu’elle sait réaliser des films d’action tendus et virils comme ses collègues John McTiernan et Renny Harlin, la belle Kathryn est bien plus qu’une action-woman. Son parcours atypique en témoigne. Elle commence par étudier les arts à  New York et San Francisco et devient membre du collectif avant-gardiste Art and Language. Cette artiste intellectuelle débute donc au cinéma en 1982, en co-réalisant avec Monty Montgomery, ce Loveless, trip arty rendant hommage aux films de bikers que signait Corman dans les années 50-60, et au pop art d’Andy Warhol. Les figures et dispositifs wharoliens abondent dans cet essai filmique atypique,  souvent brillant formellement et possédant un sens évident de la scénographie proche du cinéma expérimental.

Le  film s’ouvre par un plan emblématique : Willem Dafoe, figure iconique marquée par une ambiguïté sexuelle, tout en cuir luisant et cheveux gominés, traverse une route rectiligne. D’emblée on pense à un univers Lynchien bien avant Blue velvet et Sailor et lula. The loveless baigne dans une ambiance décalée, marquée par le rock’n’roll, l’Amérique profonde et les peintures d’Hopper.  Contemplatif et sans enjeu narratif réel, ce film déroule sa poésie brute avec une simplicité confondante.  Par son jeu de lumières mariant les bleus et les rouges comme dans Paris Texas, par ses décors un peu cheap et référentiels et par son goût fétichiste pour les objets d’une autre époque ( juke-box, costume tout en cuir, néons clinquants), le film tire son épingle du jeu et transcende l’exercice de style un peu vain auquel il semble au premier abord se cantonner.

Surtout, en filigrane, une histoire d’amour tout simple se dessine sous nos yeux entre Willem Dafoe, félin et  féminisé en diable, et une jeune fille, cheveux coupés courts, figure idéalement androgyne du cinéma du Bigelow (Aux frontières de l’aube, Point break, Blue steel).  Un père incestueux, incarnation archétypal du mal, viendra mettre un terme à  cette romance, filmée de manière très elliptique et graphique. Le film se clôt par un final tragique, admirablement réalisé, qui laisse entrevoir le penchant de la réalisatrice pour les scènes d’action et les armes à feu.

Œuvre inaboutie et séminale, The loveless peut provoquer, par son caractère lascif, un ennui profond.  Elle peut aussi fasciner tant ses enjeux esthétiques anticipent avec quelques années d’avance une idée de la modernité qui va de Gus Van Sant à David Lynch en passant par Wim Wenders et les frères Coen.

Co-auteur du film, Monty Montgomery ne réalisera plus rien par la suite. Par contre, il deviendra un collaborateur de David Lynch en produisant  Sailor et Lula et Twin Peaks. La filiation avec The loveless paraît étrangement évidente. Même désir de filmer l’errance, l’indicible, de dresser un portrait d’une Amérique à la fois provinciale et fantasmée, de partir de clichés grotesques pour basculer dans un monde cinégénique insolite, à la lisière du fantastique.

Une rareté à ne pas manquer pour tous les cinéphiles avides de découvertes.

(USA-1982) de Kathryn Bigelow et Monty Montgomery Willem Dafoe, Robert Gordon, Marin Kanter.

Dvd édité par Free Dolphin. Langue : Anglais. Sous-titres : Français . Format: 16/9 compatible 4/3 format respecté 1.85. Image et son: Stéréo – Couleur. Durée : 82 mn

Rec 2, réalisé par Jaume Balaguero et Paco Plaza, est disponible depuis le 26 mai en dvd et en blu-ray.

« Les autorités viennent de perdre le contact avec les occupants de l’immeuble mis en quarantaine. Personne ne sait vraiment ce qui se passe à l’intérieur. Dehors, le chaos règne… La brigade d’intervention spéciale, équipée de plusieurs caméras et envoyée sur place pour analyser la situation, va devoir affronter une menace bien réelle… »

Bonus :

- “Un monde infecté” : making-of (112 min – chapitré)

- Trois scènes sur le vif (52 min)

- Ce que vous n’avez pas vu : scènes coupées et alternatives

- L’envers du décor : découverte des lieux de tournage avec le chef décorateur

- Bandes-annonces

- DTS Sound Check 5.1 et 7.1 (réglage de votre installation sonore multicanal) [Blu-ray seulement]

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Certains films frappent d’emblée par leur radicalisme aussi bien formel que narratif. Les premières minutes de Canine risquent de décontenancer les plus courageux. L’austérité volontariste  du début ne doit cependant pas être un obstacle pour apprécier cet ovni beaucoup plus ludique et accessible qu’il ne le paraît. Immergé dans un univers clos et étouffant, le pauvre spectateur ne comprend pas grand-chose au départ,  s’aventurant périlleusement au sein d’un cinéma grec pratiquement invisible chez nous.

Des jeunes gens écoutent religieusement une voix monocorde provenant d’un magnétophone archaïque. La voix semble être celle d’un gourou qui n’est autre que leur père en réalité.  Ils possèdent une attitude singulière, échangent entre  eux des regards étranges, presque absents et déshumanisés. Ils jouent à des jeux curieux sans intérêt réel. Exécutent des figures absurdes pour le compte (le plaisir ?) de parents visiblement satisfaits de leur progéniture. Qui sont-ils ? Pourquoi se comportent-ils de cette façon ? Ils ne vivent pas normalement si l’on s’en tient aux codes sociaux qui régissent nos existences.  Mais en même temps, ils ne sont pas atteints d’une maladie dégénérescente ou congénitale. Quelque chose cloche. Le pot au rose se dévoile rapidement. Leur père, un fonctionnaire comme un autre,  a choisi un mode d’éducation pour le moins extrême en les isolant totalement du monde extérieur et en les élevant comme on dresse des animaux, et particulièrement les chiens.

La grande intelligence du cinéaste est de partir de ce postulat sans en expliquer les raisons. Il ne cherche pas à analyser une situation éducative invraisemblable et absurde. Ce qui a pu amener un père de famille comme les autres à traiter ses enfants de la sorte ne l’intéresse pas. Ce jeune cinéaste grec évite  tout discours didactique et réflexion intellectuelle pesante sur le rapport nature / culture, concept philosophique pourtant au centre de ce film autre. En revanche, il décrit avec une force cinématographique incroyable un processus de dressage hallucinant et l’attitude très « bestiale » et sauvage  de ces jeunes adultes désincarnés.  Les jeunes comédiens sont vraiment épatants, incarnant avec une réelle conviction des êtres au comportement mécanique, au regard hagard, dénué, du moins en surface, de sensible. Leur manière de se déplacer, de bouger, de tourner la tête évoque par instants des figures de danse contemporaine, fixées ici par des cadrages d’une invention constante.

Yorgos Lanthimos enchaîne les scènes absurdes et décalées avec un sens du grotesque parfaitement assumé.  Les deux sœurs jouent à s’anesthésier. Le frère massacre un chat, incarnation du mal,  monstre vivant à l’extérieur de leur prison dorée. Une chorégraphie hilarante le soir de Noël assimile ses enfants à des animaux domestiques. Les scènes de sexe,  frontales et dénuées de tout érotisme,  reflètent  parfaitement ce qui manque chez ces jeunes gens : du sensible, de la compassion.

La réflexion sur l’inné et l’acquis passe par un dispositif verbal très simple. Le père apprend à ses enfants, avec la complicité subie de la mère, à nommer les objets par d’autres noms. C’est ainsi par exemple que le téléphone (objet à bannir si on veut éviter l’extérieur) est nommé pour évoquer le sel. D’autres exemples abondent dans ce film singulier, d’une bizarrerie jamais fabriquée et « m’as-tu vu ».

Ces jeunes gens, coupés du monde extérieur, ont développé leur propre logique, leurs propres attentes sous le regard quasi-expérimental d’un père dont on ne comprendra jamais les motivations. Mais, et c’est bien la seule morale de ce film lucide et brillant,  tout a une fin. On n’empêchera jamais quiconque d’aller voir ce qui ce passe au-delà des murs. La curiosité, le désir d’aller voir ailleurs l’emportera toujours. C’est dans la nature humaine de voler de ses propres ailes à un moment donné.

En surface, Canine pourrait s’apparenter au cinéma de Michael Haneke ou de Urih Seidl. Même ton glacial, même type de dispositif, même virtuosité à élaborer des plans splendides, articulés autour d’un montage précis, même recherche naturaliste dans la composition des images. Mais l’humour et la distance, ainsi qu’un certaine modestie, éloigne le grec des deux autrichiens, plus enclins au dogmatisme et au cynisme. Yorgos Lanthimos n’affiche aucun mépris ni jugement à l’égard des ses personnages.

En ne cherchant pas à analyser la situation, Canine devient presque une comédie burlesque, décalée et absurde,  scandée par de brusques ruptures de ton ou d’accès de violence, pas si éloignée finalement des premiers films iconoclastes  d’Alex Van Warmerdam, notamment du génial Abel.

(GREC-2009) de Yorgos Lanthimos avec Christos Stergioglou, Michele Valley, Aggeliki Papoulia

Edittions MK2. Langue : Grec. Sous-titres : Français . Format: 16/9 compatible 4/3 format respecté 1.78. Image et son: Stéréo – Couleur. Durée : 95 mn

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LA MORT EN VHS
Avec une économie de moyens et un dépouillement volontaire, Hideo Nakata a réussi un double pari : faire de Ring l’un des films fantastiques les plus émouvants et les plus éprouvants des années 90.

C’est en 1998 que sort Ring, un film du réalisateur japonais Hideo Nakata qui va redonner au cinéma asiatique d’épouvante une vigueur et une popularité qu’il avait perdu. A part Godzilla, et ses effets spéciaux démodés, il est vrai que la production nippone était davantage tournée vers l’érotisme ou un cinéma d’auteur qui s’adressait à un public restreint. Or Ring sera un phénomène et donnera naissance à deux autres films du même cycle, à de nombreux mangas traduits dans le monde entier et, en 2002, à un remake américain de Gore Verbintski avec Naomi Watts.

Site officiel : www.mes-films-horreur.fr

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4 films pink cultes de Koji Wakamatsu dans un magnifique coffret 4 DVD en vente le 6 juillet 2010.

Suite à la première vague de titres qui ont vu le jour pour la première fois dans le Monde (hors du Japon) au mois d’octobre dernier (avec Les secrets derrière le mur, Quand l’embryon part braconner, Les anges violés et Va va vierge pour la deuxième fois), l’éditeur Blaq Out a le plaisir de vous présenter, après l’état des lieux, une deuxième vague de titres illustrant le passage de la contestation à l’action, avec La saison de la terreur (1969), Running in Madness, Dying in Love (1969), Sex Jack (1970) et L’extase des anges (1972).

En novembre 2010, sortira une troisième vague de titres avec Naked Bullet (1969), La vierge violente (1969), Violence sans raison (1969), Shinjuku Mad (1970) et La femme qui voulait mourir (1970), inédit même au Japon (le film contenant des images du suicide de Mishima), tous les films ayant fait l’objet d’une restauration HD.

La saison de la terreur (1969)

A la fi n des années 60, au Japon. Deux policiers mettent sur écoute un étudiant soupçonné d’activisme. Mais celui-ci semble se complaire dans l’oisiveté et les plaisirs de la chair, ne quittant son appartement et ses compagnes qu’en de très rares occasions…

Running in madness, dying in love (1969)

Alors que des affrontements ont lieu dans les rues de Tokyo entre manifestants et forces de l’ordre, un jeune activiste se dispute violemment avec son frère policier. En tentant de s’interposer, la femme de ce dernier tue  accidentellement son mari…

Sex Jack (1970)

Recherchés par la police, un groupe d’étudiants révolutionnaires trouvent refuge dans l’appartement d’un jeune inconnu providentiel. Condamnés à vivre entre quatre murs le temps que les choses se tassent, ils passent leur temps à fumer, boire et faire l’amour.

Source : Blaq Out

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Quand il se réveille emmitouflé dans un cocon sur son lieu de travail, Cooper est plutôt surpris. A peine se libère-t-il de la toile, qu’un insecte géant fait son apparition. Cooper découvre vite que les environs sont envahis par ces créatures. Il réunit un groupe de survivants pour tenter d’échapper aux monstres.

Infestation est une sympathique petite bêtise pour tous les amateurs de bestioles mutantes. On retrouve les habituels personnages stéréotypés. La blonde qui psychote sur son maquillage alors que c’est l’apocalypse, l’amoire à glace un peu béta, la brune intelligente, et bien sûr le héros looser.

Le petit groupe va devoir se frotter à des insectes géants de deux types : des blattes qui rampent et des frelons volants, tout droit sortis de Starship Troopers. Si le film se laisse suivre sans ennui, c’est grâce à ses effets spéciaux plutôt réussis. On sent que c’est un peu cheap mais les bestioles s’intègrent généralement assez bien avec le décor et interagissent avec les personnages. L’extrême imbécilité du héros ravira les amateurs d’humour au ras-des-pâquerettes (je suis client). Pour conclure cette vente, j’ajouterais l’argument décisif : la présence de Ray Wise au générique. Il interprète, ô surprise, un père tyrannique, psychopathe, et militaire à la retraite. Il faut le voir en treillis, enfourcher son vélo pour aller attaquer  la ruche ennemie…

Revers de la médaille, il ne faudra pas compter sur le scénario, ici en mode linéaire automatique : les personnages vont d’un point A à un point B et les plus faibles n’y survivent pas. On a déjà vu plus passionnant…

Disponible en dvd et blu-ray chez Free Dolphin.