Le film sort chez Emylia ce 17 janvier en blu-ray et en dvd. Pour tenter de gagner l’un ou l’autre, il va falloir relever le défi suivant :

Trouver trois avantages et trois inconvénients du statut zombie vis-à-vis des institutions françaises (impôts, pôle emploi, sécu, gendarmerie, etc.)

Vous avez 15 (quinze) jours pour répondre en commentaire du présent article pour valider votre participation. N’oubliez pas de renseigner correctement votre e-mail pour que nous puissions vous contacter. Le concours se termine le lundi 30 janvier 2012.

Dédié au cinéma bis sous toutes ses formes, le Festival des Maudits Films déploie pour sa 4e édition (du 17 au 21 janvier à la salle Juliet Berto de Grenoble) une programmation toujours plus luxuriante, couvrant peu ou prou la plupart des styles, des décennies et des pays qui ont marqué le cinéma de genre, ni plus ni moins.

Un parti-pris à la fois jouissif pour le spectateur et courageux de la part de l’équipe du festival, qui, au lieu de se contenter de piocher à droite à gauche dans les films à sensation du moment comme tant d’autres, s’est démenée corps et âme pour établir une sélection assez impressionnante de par sa diversité.

Et surtout l’occasion pour les amateurs de découvrir ou redécouvrir :

• Trois classiques intemporels du cinéma fantastique et SF américain (L’Homme-léopard de Jacques Tourneur, La Mouche noire de Kurt Neumann, Le Rayon invisible de Lambert Hillyer)

• Deux alléchantes séries B italiennes et japonaises des 60′s (Le Moulin des supplices de Giorgio Ferroni et La Bête aveugle de Yasuzo Masumura)

• Une pétaradante soirée Grindhouse 70′s dédiée à Roger Corman (avec son Bloody Mama, et Coffy, la panthère noire de Harlem de Jack Hill)

• Deux raretés 80′s dénichées par l’équipe du Chat qui Fume (La Brune et moi de Philippe Puicouyoul et Forbidden Zone de Richard Elfman)

• Un nanar érotico-cosmique early 90′s (Le Retour de Flesh Gordon de Howard Ziehm)

• Deux documentaires français flambants neufs (Jean Rollin, le réveur égaré, de Damien Dupont et Yvan Pierre Kaiser, auquel succédera la projection des Démoniaques de Jean Rollin, et Les Charlots au bout du Phil, de Régis Brochier de Nanarland, accompagné des Charlots contre Dracula de Jean-Pierre Desagnat

• Deux des dernières réalisations du suractif duo de passionnés François Gaillard & Christophe Robin, Die, die, my darling et Last Caress

• Et enfin, une sélection de courts-métrages (les Courts Maudits) ainsi qu’une rencontre avec Eric Dufour autour de son livre Le Cinéma de Science-Fiction, histoire de caler définitivement jusqu’aux plus boulimiques.

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Ca y est, on a fait le tour, on vous laisse donc relire tout ça calmement, jeter un coup d’œil au site du festival pour avoir le détail des horaires ainsi que des infos plus complètes sur chacun des films projetés, et enfin noter dans votre bel agenda avec reliure en cuir (ou pas) les séances qui vous intéressent… En attendant, on l’espère, de vous retrouver sur place !

Toujours en retards, jamais à l’heure, on dira que certains rédacteurs de Cinétrange sont des feignasses qui devraient se payer un putain de calendrier pour cocher chaque date de sortie des dvd qu’ils reçoivent (bordel !). Ne nous jugez pas (ne me jugez pas), il est vrai que Patrick Cauvin a dit qu’être en retard est le signe d’une âme négligente, mais Henri Jeanson a aussi dit qu’être à l’heure signifie être obsédé. Cela dit, si vous ne venez pas, vous avez intérêt à être mort, sinon vous êtes con. Mon bon esprit m’échappe, il est donc venu le temps de parler films, avec les sorties direct en dvd (depuis plus d’un mois) chez l’éditeur Emilya des films Echap et Little Deaths.

Le premier est un long-métrage français réalisé par deux potes : Trent, journaliste cinéma, et Dist, réalisateur de films porno. Le film se déroule dans une maison au lendemain d’un enterrement de vie de jeune fille, cinq copines veulent passer un week-end ensemble et s’occupent comme elles peuvent : piscine, session Chatroulette, ou encore séance de spiritisme. Et c’est bien sûr lors de cette dernière occupation que le week-end se barre en cacahuètes. Un ancien camarade de classe entre en contact avec les jeunes femmes et s’amuse à utiliser divers outils technologiques pour jouer avec elles. Mais « dans certains cas, la touche Echap ne sert plus à rien… »

Ecrit en juillet 2010, tourné en Lorraine en août 2010 sur moins d’une semaine avec des actrices provenant de milieux divers (la télévision, la musique, le porno) et un budget d’environ 1500€, évidemment Echap transpire l’amateurisme, mais ses réalisateurs ont plusieurs mérites : se lancer dans un projet en disant merde aux financeurs, le préparer aussitôt qu’il est écrit pour éviter de le ranger dans un tiroir et l’oublier, rester fidèle à son délire au risque de faire chier le monde. C’est vrai que c’est pas toujours bien foutu, loin de là, mais Echap possède cet enthousiasme rare (dont le récent Donoma de Djinn Carrenard a réussi à communiquer avec brio), ce désir jouissif de liberté qui fait qu’il est difficile de pouvoir cracher sur un film pareil malgré ses nombreux défauts.

L’amour cinéaste/journaliste cinéma.

En effet, si Echap a le mérite de motiver les troupes, on peut lui reprocher un scénario très bancal, malgré une certaine originalité, des actrices qui n’ont pas toujours l’air d’être en phase avec leurs personnages, quelques longueurs lors des séquences autour de la table servant à la séance de spiritisme, des dialogues un peu fades, des scènes « d’action » pour le moins molles et des expérimentations visuelles ou sonores qui demeurent très intéressantes pour la plupart (l’idée de couper le son lors d’une scène de viol, les séquences de couloir) ou qui semblent parfois ne rien apporter au film (la répétition d’une séquence entre deux actrices, par exemple). Il est inutile de débattre sur le casting, dont une partie provient de l’industrie du porno ; débattre là-dessus reviendrait au même que de débattre sur l’intérêt d’un film de Russ Meyer. Comme le disent les réalisateurs eux-mêmes, Echap est un « film de vacances », qui s’amuse, ose quelques expérimentations, quelques conneries et qui, au moins, ne vient pas nous souler avec une cinquantaine de références ; le film ne se prend pas pour plus qu’il n’est et il serait peut-être exagéré de le prendre pour encore moins…

Le deuxième film dont il est question ici est un tryptique britannique portant un regard sur le sexe, les vices, la mort… Le première partie, réalisée par Sean Hogan, est titrée House and Home et présente un couple de bourgeois qui a l’habitude d’accueillir de « bon cœur » des jeunes filles à la rue pour leur faire passer une soirée plus classe en leur donnant à manger, à boire, un bain… Seulement, la véritable intention du couple est bien sûr plus perverse qu’on ne le croit. Mais lors d’une soirée avec une jeune SDF, les choses prennent une direction pour la moins surprenante… La deuxième partie de Little Deaths est réalisée par Andrew Parkinson, s’appelle Mutant Tool et observe en parallèle un médecin créant une très curieuse drogue et une femme qui la teste. La troisième et dernière partie est réalisée par Simon Rumley, s’appelle simplement Bitch et montre un jeune couple pratiquant des jeux sexuels un peu bizarre : malgré sa peur des chiens, Claire a transformé son copain en petit toutou soumis. Jusqu’au jour où son copain aura marre d’être traité comme un clebs…

Pour faire court, les deux premiers métrages ne possèdent que peu d’intérêt… Les trois films ont tous cette volonté d’être borderline, ce qui fait que Little Deaths garde un certain équilibre, mais sombre vite dans l’ennui, surtout lors du deuxième segment dont même la vision d’une quequette de près d’un mètre éveille à peine le spectateur. En fait, il ne serait pas si bête d’avancer le film jusqu’au troisième segment : Bitch, qui peut être perçu comme une version perverse et barge de 9 songs de Michael Winterbottom. Le film suit le quotidien d’un couple à la relation particulière… Tellement particulière que le garçon de l’histoire finit par craquer. Cette partie réalisée par Simon Rumley, que ce soit du point de vue narratif ou esthétique, est largement au-dessus des tentatives de Hogan et Parkinson et se trouve probablement être le seul à communiquer une atmosphère sincèrement douteuse et joliment malsaine.

En tant que tryptique, Little Deaths n’a rien d’inoubliable (si ce n’est son dernier segment), son rythme est bien trop laborieux et son regard guère très captivant.

Bitch : ce que Twilight vous cache.

Côté bonus, on peut faire très court pour le dvd de Little Deaths : il n’y a rien. Par contre, celui d’Echap est plutôt généreux : un commentaire audio des réalisateurs (guère indispensable, mais sympathique tout de même), un making of de 40 minutes montrant une équipe réduite bossant avec des moyens réduits sur près d’une semaine (loin d’être un document indispensable pour toute personne voulant se lancer dans un projet cinématographique, mais une curiosité à l’esprit bon enfant permettant de se rendre vraiment compte des limites techniques du tournage), une interview des actrices, des images de l’avant-première parisienne, de la séance dédicace au Paris Manga, ainsi qu’un clip de Lussi. Le dvd offre même la possibilité de visionner le film avec des sous-titres anglais. En bref, le dvd d’Echap ne se fout pas la gueule du monde.

Trouvez l’émoticône.

Les dvd sont disponibles chez Emylia.

Malgré l’enthousiasme de Gareth Edwards, malgré son talent pour les effets visuels et malgré ses bonnes idées, Monsters est un film raté.

Dans les bonus, Gareth nous explique qu’il a travaillé longuement pour la BBC, notamment sur les effets en post-production. Lassé de ce travail institutionnel trop sage, il souhaite faire un film plus personnel. Sa longue expérience lui permet de faire de nombreux tests d’effets numériques, qui se sont considérablement développés ces dix dernières années.

Sur la base d’un court-métrage, une boîte de production lui donne un petit budget pour boucler un projet de long-métrage.

Une sonde spatiale ramenant des échantillons extra-terrestres se crashe en Amérique centrale. De la capsule, s’échappe une forme de vie, qui se développe dans les environs. Bientôt, c’est toute une zone qui est “infectée”, habitée par des créatures géantes et tentaculaires. Pour protéger la population, une immense clôture est dressée et des frappes aériennes régulières tentent d’éliminer les monstres. Andrew est photographe pour un journal et il est en reportage dans la région. Il se voit confier une mission : ramener la fille du patron aux USA par le bateau. Mais une série de mésaventures les forcent à traverser la zone pour atteindre leur destination.

Monsters se regarde comme un road-movie. Les deux personnages parcourent une succession d’endroits, qui sont autant de témoignages du passage des monstres : ruines, véhicules militaires abandonnés, carcasses de bateaux, etc. Pour donner corps à ces visions de destructions, le réalisateur s’est donc appuyé sur sa connaissance du “compositing”, permettant d’intégrer à des images réelles des objets virtuels en 2D ou en 3D. La réussite du processus dépend fortement du mariage entre image réelle et image virtuelle. Dans Monsters, cette composition est effectivement très réaliste mais perd de son impact à force de répétition. On prend un paysage de carte postale puis on intègre en son sein un élément de synthèse, généralement d’énormes véhicules à l’abandon. L’oeil est trompé mais à force de répétition, le cerveau se dit qu’il y a une supercherie. De même, le réalisateur abuse sur la mise au point, alternant sans cesse jusqu’à l’excès : arrière plan flou / avant plan net et inversement.

Si l’incrustation d’éléments d’origine humaine est réussie, il n’en va pas de même pour les aliens, et surtout cette espèce de scène finale où deux pieuvres géantes et lumineuses façon Abyss, se font des papouilles. On constate alors que le réalisateur est très fort pour la suggestion, beaucoup moins pour le design.

A travers de petites scènes, Gareth Edwards expose un univers séduisant : l’omniprésence de l’infection à travers les panneaux, les mouvements de l’armée (hélicoptères, avions, chars) et la proximité des bestioles, que l’on devine sans jamais vraiment les voir.

Le problème, c’est que l’exposition de cet univers constitue en fait le film en entier. Le réalisateur a pensé à tout : un univers graphique et sonore, des effets spéciaux impeccables, un traitement façon “documentaire”, des personnages sympathiques, des décors naturels stupéfiants mais oublie une chose pourtant essentielle : raconter une histoire. Il y a bien la naissance d’une histoire d’amour, mais elle n’est pas originale. Un homme, une femme, tous deux déçus de l’amour, seuls dans un milieu hostile;  on s’y attendait un peu. De plus, ce récit ne se développe qu’au début du métrage.

Dans son concept, le film ressemble beaucoup à Children of Men. Le film d’Alfonso Cuaron était aussi une succession de vignettes, dessinant petit à petit un monde futuriste. Dans les deux films, un homme et une femme doivent aller d’un point A à un point B. L’énorme différence se situe donc dans le propos du film. A travers des péripéties linéaires et une histoire simple (un homme tente de sauver une femme et son bébé), Cuaron parle de politique et se demande quelles valeurs humaines vont survivre à un contexte de proche fin du monde, et de guerre civile à un niveau plus local.

A l’inverse, Gareth Edwards oublie de raconter quelque chose. C’est dommage, d’autant qu’on trouve ça et là quelques bribes de sujets. On y voit par exemple des graffitis demandant “qui sont les vrais monstres” (à cause des frappes aériennes et de leurs dommages collatéraux), ou un passage quelque peu écologique qui explique que “l’infection” est en fait simplement le mode de reproduction des aliens. Ces éléments restent cependant anecdotiques.

Le film est disponible en dvd et en blu-ray chez M6 Vidéo.

INTO ETERNITY (Michael Madsen, 2010, 75 mn)

On vit une drôle d’époque, ma bonne dame. Peut-être que c’est juste moi qui vieillis, qui ne supporte pas de voir mes cheveux tomber et mes poteaux partir, mais j’ai la tenace impression que le cinéma n’a jamais été aussi mauvais. Le film de fiction sombre, dans la salle de projection de mon esprit, et j’ai de plus en plus de mal à contenir colère et ennui. Dans le même temps, ça fait un bail qu’on n’a pas vu tant de documentaires au cinéma. Ceux-ci, bizarrement, semblent surnager, même quand ce sont de mauvais films. Leur sujet, leur position, leur questionnement sur le réel et le récit sauvent souvent une réalisation sans brio ou une écriture poussive.

Into eternity, par exemple, n’est pas brillant. La présence à l’écran du réal, son ton sentencieux, sa mise en perspective lourdingue rendrait le métrage insupportable sans l’incroyable fascination que son sujet exerce. En deux mots : à Onkalo, en Finlande, on perce un immense sanctuaire pour décontaminer les plus dangereux des déchets nucléaires. Cette quarantaine a cela d’inédit qu’elle doit durer une centaine de milliers d’années, temps environ vingt fois plus long que celui dont l’humanité garde ne serait-ce qu’un souvenir lointain. Comment être sûr qu’une fois le réseau rebouché, rien ne viendra perturber le processus ? Au-delà des changements géologiques ou climatiques, comment se prémunir de toute intervention humaine dans les éons à venir ? Voilà l’enjeu du petit film.

Les interviews sont bien menées, les propos feutrés, mesurés. Les images de centrales nucléaires et de piscines de stockage semblent sortir de la SF des années 60. La grise campagne finlandaise et les tunnels sont photographiés très bellement : on est dans une zone neutre de calme, d’intellect, de bac +11 sérieux et responsable. On est, de fait, face à l’écran qui dissimule la folie profonde de cette entreprise. Qui évoque, par rebond, l’absence totale de contrôle sur la production d’énergie nucléaire, l’incapacité de l’homme à réduire cette équation à quelque chose de vivable.

Au final, la question est la suivante : pour préserver Onkalo, faut-il avertir les générations suivantes ou, au contraire, les tenir dans l’ignorance ? Faut-il tenter, malgré tout, de se souvenir, ou bien s’efforcer d’oublier – et d’oublier que l’on a oublié ?

Les déchets nucléaires et la mémoire. Le puits noir de l’oubli, que l’on fore dans nos banlieues mentales. Un camion s’enfonce dans la gueule gigantesque de la mine. Ici il n’y a rien qui préexiste à l’homme. La richesse que l’on enfouit chez les Niebelungen est le pire de tous nos poisons. Voilà pour le futur.

LE PLEIN PAYS (Antoine Boutet, 2009, 58 mn)

Le moyen-métrage français est également fascinant par son sujet et plutôt raté en tant que film. Il boxe dans une catégorie radicalement différente : là où Madsen nous épuisait avec sa fictionalisation et ses commentaires de petit-malin, Boutet se perd dans la captation de son sujet et oublie d’en faire le récit. Ce qu’il nous montre est absolument incroyable mais manque de dynamisme, et on finit par s’ennuyer un peu devant un film qui ne fait pas une heure.

Ceci posé, ça n’est vraiment pas grave. L’essentiel du Plein pays se déroule dans le dedans du spectateur et les jours qui suivent le visionnage. La rencontre avec Jean-Marie Massou est un drôle de moment. Elle durera.

J.-M. est à mi-chemin entre l’ermite, l’artiste brut et l’idiot du village. Il a la petite cinquantaine musclée, élevée au grand air. Cela fait trente ans qu’il vit seul au fond du Lot et des bois. Il y réalise de furieuses et frénétiques œuvres d’art, à moins qu’il ne s’agisse des syndromes d’une longue maladie mentale.

Parmi les créations de cet homme bourré de tics, on trouve :
- des cassettes audios repiquées sur la radio, sur lesquels il monologue des appels à la disparition de l’espèce humaine
- des complaintes improvisées pour Marie-Ange, princesse mentale, petite fille de l’époque où lui même était petit enfant
- un jardin de pierres monolithiques de plusieurs tonnes, qu’il déterre à la bêche et traîne avec un tracteur et un treuil
- un réseau de galeries souterraines, désencombrées seau à seau pendant trois décennies, et sur les parois desquelles il a gravé figures et messages

Boutet a fait copain copain avec Massou. On le voit, dans les bonus, montrer le film achevé à son sujet ravi. Il emmène le spectateur avec lui pour s’approcher du grand gaillard bizarre, dont on ne comprend ni les paroles ni le comportement. C’est une sidération en mouvement : d’abord Jean-Marie rebute, il n’offre aucune prise, il est insensé, ne bouge pas comme il faut. Puis, peu à peu, et jusqu’à la descente sous la terre, les choses s’organisent. Celui que l’on prenait pour un fou obéit à un système. Il travaille, des bras et du chapeau, dans la poursuite d’un but insaisissable, peu clair, indéniablement là. Il dit des choses aussi incompréhensibles que touchantes, vitales.

Il y a les sons, les messages, les cailloux. Les trous. Massou est un archétype de l’artiste, il l’est absolument et au-delà de toute mesure, de toute raison. C’est sans doute ce qui empêche Boutet, ce qui le retient, de travailler à son tour. C’est un peu dommage et très compréhensible.

Si vous aimez les bizarreries, les branches mortes, Brigitte Bardot et les planètes extrasolaires, le voyage est très recommandé. Vous rangerez la galette à côté des “Maîtres fous” de Rouch. Et tout ça dans Lot.
Dites donc !

INTO ETERNITY et LE PLEIN PAYS sont dispos en DVD, l’un chez Chrysalis (anglais sous-titré français), l’autre chez Les Films du Paradoxe (avec sous-titre anglais ou espagnols si besoin). Ils coûtent moins de vingt euros chacun, c’est cadeau, on vous dit. 

L’Amérique est une nation perdue.
Quand une épidémie de vampirisme frappe le pays, les hommes sont obligés de fuir pour échapper aux bêtes sauvages assoiffées de sang que sont devenus les morts. Les villes ne sont plus que des cimetières et les survivants se rassemblent dans des petits villages, terrifiés à la tombée de la nuit.
Un mystérieux fugitif à la traque des vampires prend sous son aile le jeune Martin, dont la famille vient d’être sauvagement assassinée sous ses yeux. Accompagnés d’une religieuse et d’une jeune femme enceinte, ils sillonnent le pays en direction du Canada, “Nouvel Eden” selon les rumeurs…

Déjà auteur en 2006 du remarqué Mulberry Street (sorti chez nous directement en DVD en 2009), Jim Mickle signe avec Stake Land un film de vampires post-apocalyptique mineur, mais plutôt sympathique, à la croisée de Je suis une légende (on parle évidemment du classique roman d’anticipation de Richard Matheson, pas de son horripilante et pleurnicharde adaptation ciné avec Will Smith), des films de zombies façon Roméro (pour la dimension politique), et du livre La route de Cormac McCarthy (pour le caractère dépouillé du récit).

Si le métrage ne joue pas, on l’aura compris, la carte de l’originalité à tout crin, il réussit en revanche la gageure de ne pas se laisser trop écraser par ces références prestigieuses, en tablant avant tout sur des bases solides : un univers crédible, une ambiance soignée, des personnages convaincants, un tournage dans de splendides décors naturels, et un minimalisme épuré des plus réussi. Paris gagné, on entre dans le film sans problème, et on se laisse rapidement séduire par un récit âpre et mélancolique, mais jamais larmoyant, engagé juste ce qu’il faut (les extrémistes religieux en prennent pour leur grade), et privilégiant le développement d’atmosphères vénéneuses et les moments de tension rémanente à la débauche de scènes-chocs, de dialogues et d’action.

Dénué de prétention, mais pas d’ambition (on sent le réalisateur sincèrement attaché aux personnages de son film, chose devenue de plus en plus rare dans le tout venant du cinéma horrifique contemporain), Stake Land ne révolutionne donc pas le genre, mais assure un spectacle des plus honorables, porté par des personnages touchants et une mise en scène discrète mais efficace.

Stake Land est édité par Entertainment One, et distribué par Aventi en France. Le films est disponible en DVD, Blu-Ray et VOD.